El harte del aburrimiento
Al seguir el texto anterior sobre la experimentación de las potencias del video, dejamos de lado los enunciados en los cuales artistas como Nam June Paik, Douglas davis, James Nauman, etc. de esta experimentación se desarrolla como bien lo mencionamos antes tres corrientes o géneros en los que el video se abordaba de distintas formas (body art, vídeo instalación y vídeo escultura) y como este siempre estrecho un vínculo a lo largo de su vida con la televisión hasta que personajes como David Roos y Gene Youngblood legitiman y sostuvieron al video arte en la gran escena artística (galerías, museos) dándoles una nueva casa y un mercado privilegiado, elitista si, pero nada despreciable a los ojos del productor de contenido video, discriminando un tanto una brecha de bidireccionalidad propuesta por el movimiento fluxus, y por Duglas Davis y el trabajo de James Nauman con "Open Galery" en el que " la televisión es el medio idóneo para que el arte pueda salir de su círculo minoritario.. y llevarlo al pueblo por el medio de mayor alcance."
Fluxus unos de los grupos y movimientos artísticos de los cuales el medio video fue una de sus herramientas más potentes además del propio artista y su accionar (constante yo del artista) en el que la herencia del dadá se hacía notar en happenings, performance, acciones efímeras y procesuales, body art instalación y cuya principal característica es el no objeto enfatizando el video como medio de registro y parte del sentido de las mismas acciones, a su vez se luchaba por nuevas formas de expresión rechazando la fidelidad y "veracidad objetiva" en palabras de N J Paik: " rechazamos a la alta fidelidad pero alcanzamos la super infidelidad...el adulterio siempre es más interesante que el adulterio" ( si señor).
"Video no es arte pero es un medio que puede ser utilizado para crear un producto artístico" y otra frace de Aconcci: "El video es un medio más a utilizar".
" ... de la misma manera en que la técnica del collage reemplazo a la pintura al oleo, el tubo de rayos catodicos reemplazara a la tela". NJP
En palabras de David Duglas sobre el videoarte".. son trabajos que privilegian la información el concepto, (estampos en la era dorada del conceptualismo) que por la pura informacion estética del arte tradicional.
Otra variante del video fue la factura de comerciales dirigidos por el guro del pop art Warhol en el que el videoarte y la publicidad siguen con fuerza hasta ahora.
En los años setenta inician las grandes muestras a cargo de Roos además de las primeras ventas de video tapes disolviendo el medio de videoarte a una cúspide de privilegiados donde la televisión dominó la publicidad y someras presentaciones derivadas de experiencias anteriores. El video se distancia de las promesas anunciadas por fluxus y demás y comienza la era del aburrimiento en la cual tomas largas y enfoque personales distancian al público en general de la escena teniendo este un público selecto productores coleccionistas.
El video en los ochentas y noventas toma una brecha mas autogestiva con diversos movimiento y grupos de video comunitario asimilando al medio y su función social como en américa del norte y europa, comienza televisoras independientes de contenidos propios con injerencia en la comunidad en la que reside programas y canales de tv como los de guerrilla televisión marcaron pauta en la forma en la que se hacía televisión y video con contenido de calidad utilizando el bagaje adquirido en los años anteriores .
Este medio por si mismo y en la manera en la que se aborde puede brindarnos una experiencia de arte total al mas que una experiencia contemplativa es una herramienta discursiva potente altamente política en este sentido Andrea Fraser y su trabajo por medio de performance e intervenciones estructura una fuerte critica a la escena del arte satirizando sus estratos y personajes sin dejar cabos sueltos es una estocada directa al arte y su manera del 1% de acción, usando el video como principal soporte y en el cual puede verter su recalcitrante punto de vista.
lunes, 30 de octubre de 2017
viernes, 27 de octubre de 2017
Video Experimental
Origen de la experiencia.
El origen del video se vincula con el desarrollo del magnetoscopio (Ampex 1952), si bien el video es el cambio de registro y reproducción de la imagen por medios electrónicos, podemos seguir su origen hasta el osciloscopio y si la experimentación puede ser nombrada como los primeros roces del medio nos aproximaremos a esos inicios en los párrafos siguientes.
Ahora retomando como base del vídeo al magnetoscopio cuyo paradigma es la codificación de imágenes y audio en una cinta magnética; este surge de la necesidad de transmitir información de un lugar a otro y como auxiliar en el desarrollo tecnológico de la televisión y en especifico para los noticieros americanos al trasmitir de costa a costa una noticia sin la necesidad de revelar, y sin perdida de información (pues se filmaba de un televisor).
Si lo s primeros roces con el medio surgen con la televisión, programas como los de Fred Barzyk y Ernie Kovacz con contenido de música y humor respectivamente utilizaban las cualidades del "pre-video" como visualización de espectros sonoras y distorsión de las imágenes por impulso sonoro e inversión de la imagen en negativo.
La experimentación con letras mayúsculas podemos vincularla con un muchachito de 16 años ( en ese entonces) que desarrolló un sistema de circuito cerrado con recursos de segunda mano y en 1961 un sistema de colorización (bricolour). Gran parte del acercamiento de las posibilidades técnicas del video se debe a investigación tecnológica de la manipulación y generación electrónica de imágenes.
Habrá que recalcar que las potencias del vídeo podían ser tanto expresivas como represivas (vídeo vigilancia y vídeo pafletario). Este ejemplo puede verse reflejado en las circunstancias geopolíticas de América y Europa; en la primera la dirección de canales de televisión y contenido era confiada a artistas del medio; por otro lado en Europa el control de los canales fue absorbida inmediatamente por los diversos estados, debido a esto surge una máxima la cual es que el vídeo causa política o en palabras de Tambellini acerca del vídeo "... una actitud no únicamente de orden estético/creativa sino una actitud política". Siendo esta una exploración discursiva del medio ademas de como se consume distribuye y entra en "hibernación".
En este contexto trabajos como los de Paik, Tambellini, Douglas Davis experimentan con la forma en la que percibimos el video y la distorsión de cualidades gráficas por medio de un video sintetizador, la manera en que habita el video en su estructura formal el televisor como un mueble que habita y el tercero en la acto del espectador y fomentar un bidireccionalidad en el espectador productor.
Ahora bien en esta brecha abra que discriminar entre video y prevideo:
Prevideo: 1960-64 manipulación de receptores de tv, modulación horizontal y vertical de la imagen, distorsionada por impulso sonoro.
video: 1965-1968 distorsión de la imagen por electro magnetismo, sistema de coloracion, manipulacion de imagen a partir de un modulador de audio.
El vídeo sintetizador ideado por NJ Paik junto con Shuya abe en 1970 con el cual se logra modificar de manera formal el vídeo trabajos como "Positive négative", de Keith Sonnier en la cual el vídeo se descompone en elementos gráficos sin abandonar la imagen de referencia es te sintetizador se ocupo para generar vídeos con una estética psicodélica (videografía) con uso de fractales y colores vivos.
Aparte de sus cualidades discursivas técnicamente no se experimentó mucho y la videografía solo exploraba la parte espectacular más cerca de la gráfica que a el medio vídeo.
Posterior mente en 1977 Peter Campus nos acerca a una tecnología de perforar un vídeo por medio de un color de fondo (chroma key), que en los años siguientes seria utilizado en la televisión en especifico en noticiarios y programas humorísticos
También habrá que tomar en cuenta la evolución de vídeo desde el vídeo tape de distintos formatos y las diversas cámaras hasta el vídeo digital y como estos cuerpos donde se registra, con el paso del tiempo van perdiendo vigencia, así como los discursos con los que fueros planteados, aun así queda un alto grado de referencialidad con el vídeo; su contexto y la manera en que es abordado en este sentido se divide el vídeo en varios grupos body art, vídeo instalación y vídeo escultura, cada uno aborda el medio de distintos vértices el primero como un acto de registro en el que el vídeo sirve para documentar una acción en el segundo, la manera en que los distintos pasos para hacer vídeo construyen un sentido y el tercero se enfoca en lo que podríamos decir una morfología del vídeo y como interactuamos con ello.
Con lo anterior nos aproximamos al siguiente tema que es vídeo arte, retomando la experimentación en el caso del vídeo, en este rubro solo queda asentar que las potencias expresivas del vídeo vienen en un principio del lenguaje del cinematógrafo ahora, las cualidades propias de este es su plasticidad con la cual se pueden lograr cambios de color saturasion y de contraste, ademas de adherir y quitar contenido incrementando considerablemente su cualidad expresiva a esto se suma el audio que logra un lenguaje que nos llega por diversos sentidos; en esta conclucion me gustaría poner como ejemplo el vídeo de Pola Weiss "Mi Co-Ra-Zón" 1986 en el cual un año atrás del sismo sale bailando sobre ruinas con un latido que le marca el compás, utilizando un chroma key y colorizaciones logra exaltar una sensación de angustia y desolación, articulando de manera precisa los elementos del vídeo.
El origen del video se vincula con el desarrollo del magnetoscopio (Ampex 1952), si bien el video es el cambio de registro y reproducción de la imagen por medios electrónicos, podemos seguir su origen hasta el osciloscopio y si la experimentación puede ser nombrada como los primeros roces del medio nos aproximaremos a esos inicios en los párrafos siguientes.
Ahora retomando como base del vídeo al magnetoscopio cuyo paradigma es la codificación de imágenes y audio en una cinta magnética; este surge de la necesidad de transmitir información de un lugar a otro y como auxiliar en el desarrollo tecnológico de la televisión y en especifico para los noticieros americanos al trasmitir de costa a costa una noticia sin la necesidad de revelar, y sin perdida de información (pues se filmaba de un televisor).
Si lo s primeros roces con el medio surgen con la televisión, programas como los de Fred Barzyk y Ernie Kovacz con contenido de música y humor respectivamente utilizaban las cualidades del "pre-video" como visualización de espectros sonoras y distorsión de las imágenes por impulso sonoro e inversión de la imagen en negativo.
La experimentación con letras mayúsculas podemos vincularla con un muchachito de 16 años ( en ese entonces) que desarrolló un sistema de circuito cerrado con recursos de segunda mano y en 1961 un sistema de colorización (bricolour). Gran parte del acercamiento de las posibilidades técnicas del video se debe a investigación tecnológica de la manipulación y generación electrónica de imágenes.
Habrá que recalcar que las potencias del vídeo podían ser tanto expresivas como represivas (vídeo vigilancia y vídeo pafletario). Este ejemplo puede verse reflejado en las circunstancias geopolíticas de América y Europa; en la primera la dirección de canales de televisión y contenido era confiada a artistas del medio; por otro lado en Europa el control de los canales fue absorbida inmediatamente por los diversos estados, debido a esto surge una máxima la cual es que el vídeo causa política o en palabras de Tambellini acerca del vídeo "... una actitud no únicamente de orden estético/creativa sino una actitud política". Siendo esta una exploración discursiva del medio ademas de como se consume distribuye y entra en "hibernación".
En este contexto trabajos como los de Paik, Tambellini, Douglas Davis experimentan con la forma en la que percibimos el video y la distorsión de cualidades gráficas por medio de un video sintetizador, la manera en que habita el video en su estructura formal el televisor como un mueble que habita y el tercero en la acto del espectador y fomentar un bidireccionalidad en el espectador productor.
Ahora bien en esta brecha abra que discriminar entre video y prevideo:
Prevideo: 1960-64 manipulación de receptores de tv, modulación horizontal y vertical de la imagen, distorsionada por impulso sonoro.
video: 1965-1968 distorsión de la imagen por electro magnetismo, sistema de coloracion, manipulacion de imagen a partir de un modulador de audio.
El vídeo sintetizador ideado por NJ Paik junto con Shuya abe en 1970 con el cual se logra modificar de manera formal el vídeo trabajos como "Positive négative", de Keith Sonnier en la cual el vídeo se descompone en elementos gráficos sin abandonar la imagen de referencia es te sintetizador se ocupo para generar vídeos con una estética psicodélica (videografía) con uso de fractales y colores vivos.
Aparte de sus cualidades discursivas técnicamente no se experimentó mucho y la videografía solo exploraba la parte espectacular más cerca de la gráfica que a el medio vídeo.
Posterior mente en 1977 Peter Campus nos acerca a una tecnología de perforar un vídeo por medio de un color de fondo (chroma key), que en los años siguientes seria utilizado en la televisión en especifico en noticiarios y programas humorísticos
También habrá que tomar en cuenta la evolución de vídeo desde el vídeo tape de distintos formatos y las diversas cámaras hasta el vídeo digital y como estos cuerpos donde se registra, con el paso del tiempo van perdiendo vigencia, así como los discursos con los que fueros planteados, aun así queda un alto grado de referencialidad con el vídeo; su contexto y la manera en que es abordado en este sentido se divide el vídeo en varios grupos body art, vídeo instalación y vídeo escultura, cada uno aborda el medio de distintos vértices el primero como un acto de registro en el que el vídeo sirve para documentar una acción en el segundo, la manera en que los distintos pasos para hacer vídeo construyen un sentido y el tercero se enfoca en lo que podríamos decir una morfología del vídeo y como interactuamos con ello.
Con lo anterior nos aproximamos al siguiente tema que es vídeo arte, retomando la experimentación en el caso del vídeo, en este rubro solo queda asentar que las potencias expresivas del vídeo vienen en un principio del lenguaje del cinematógrafo ahora, las cualidades propias de este es su plasticidad con la cual se pueden lograr cambios de color saturasion y de contraste, ademas de adherir y quitar contenido incrementando considerablemente su cualidad expresiva a esto se suma el audio que logra un lenguaje que nos llega por diversos sentidos; en esta conclucion me gustaría poner como ejemplo el vídeo de Pola Weiss "Mi Co-Ra-Zón" 1986 en el cual un año atrás del sismo sale bailando sobre ruinas con un latido que le marca el compás, utilizando un chroma key y colorizaciones logra exaltar una sensación de angustia y desolación, articulando de manera precisa los elementos del vídeo.
martes, 24 de octubre de 2017
Animacion experimental
Abstracciones en movimiento
Al consolidarse las imágenes en movimiento con el cinematógrafo y sus posibilidades narrativas, descriptivas; a la par inicia una exploración guiada por los movimientos Avant garde de principios del siglo XX exploraciones en las que destacan, figuras geométricas y su distribución en el plano, podría tomarse como una traducción directa de la pintura del momento a un lienzo de celuloide.
Una de las características de las vanguardias fue la ruptura de los ideales estéticos de la época (y anteriores) en todas las artes desde la poesía, plástica, etc, ponderando nuevas estructuras formales, el espíritu de la obra, la no representación o abstracción: reduciendo las imágenes a su mínima expresión color y figuras geométricas regulares, desarrollando estructuras no anecdóticas, poetas como James Joyce influenciaron a sus coetáneos y futuras generaciones.
De pintores como Malevich, Mondrian, Kandinsky y demás artistas involucrados en el futurismo y demás movimientos como Leger, Moholy-Nagy, Hans Richter, Man Ray entre otros, exploraron las posibilidades plásticas de este medio de producir imágenes en movimiento y literal mente hacer pinturas en muevan.
Otro aspecto de exploración fueron las posibilidades del sonido y como este construye una mancuerna con las imágenes que desencadena emociones en el espectador exploraciones como las de Walter Ruttmann y sus "Opus" entregando la estafeta a Oskar Fischinger el cual con su lumigraph (1995) complejizo sus pasos, en sus "studios" también llamados poemas visuales con ayuda de músicos, otros artistas dignos a destacar en este ámbito es Len Lye y Norman Mclaren; el primero utiliza estencil y diversos utensilios con los cuales interviene directamente en el celuloide, al igual que Mclaren con un clavo (este echándole bastante crema asus tac.. trabajo).
Una invención que apoyo a la exploración de la animación fue el osciloscopio y como este obtenía las imágenes, de variaciones eléctricas que se mostraban en un monitor, anunciando los cgi y el video.
Una autora a destacar es Mary Ellen Bute que utiliza las imágenes del osciloscopio para crear su música visual "synchromy".
Todo esto a principios de siglo y entre guerras su desarrollo se ve interrumpido en momentos pero retomado al terminar la segunda guerra mundial; el desarrollo bélico tecnológico desemboca en el primer ordenador electrónico, (1946 surge el CGI) este nueva herramienta es usada por artistas como Mclaren y John Whitney siendo el segundo el que más provecho sacaría de esto al desarrollar en 1961 un ordenador que el mismo programará, (además de colaborar en programas de misiles guiados, por supuesto jugando con otros juguetes) también creando su empresa Motion Graphic Inc, y su "catalog" composición de sus animaciones abstractas. ( entre otras cosas hizo una residencia artística en ibm e hizo efectos para la película"Vértigo"). Sin duda este muchacho abre una gran brecha en la forma de experimentar con la animación si bien podría llamarse digital. En los sesentas se creó un boom de los cgi, trabajos como el de Edwar Zajec con su "TVC" en el cual programa una secuencia de animación que se estructura de manera azarosa, es decir sin un diseño previo.
En 1963 Irvan Sutherland crea el Sketch pad en la cual puede dibujar sobre una pantalla líneas, puntos y curvas que se computan en un ordenador. Otro trabajo que me gusto mucho fue "Humming bird" (1968) de Charles Csuri en la cual un colibrí se descompone en las líneas que lo dibujan.
Aspectos que creo aportan a la animación y sus exploraciones es la creación de Lucas film en la cual los cgi fueron de vital importancia y que a partir de esto ibm y después pixar serían creadas, en el 82 Adobe y autodesk surgen como los principales y mas potentes creadores de cgi hasta que en 1995 surge el primer largometraje animado completamente con cgi "toy story".
Hasta aquí tenemos una acreción de trabajos e inventos que van enriqueciendo la animación podría decirse que en la actualidad continua la exploración de la animación com medios abstractos con resultados que compiten con lo que podríamos llamar realistas trabajos como Magma de Dvein (https://www.youtube.com/watch?v=9qxMJAdpJYE) o el film enter the void de Gaspar Noe utilizan la animación para hacer ver lo inefable.
La animacion en un universo en el cual el modo de ver del fruidor puede ser traducido en movimiento y sonido, trabajos como los de Mclaren me remiten a la animacion de dumbo embriagado, en resumen la capacidad expresiva de la animacion es casi infinita y con el paso del tiempo ¿que mas se animara?
Al consolidarse las imágenes en movimiento con el cinematógrafo y sus posibilidades narrativas, descriptivas; a la par inicia una exploración guiada por los movimientos Avant garde de principios del siglo XX exploraciones en las que destacan, figuras geométricas y su distribución en el plano, podría tomarse como una traducción directa de la pintura del momento a un lienzo de celuloide.
Una de las características de las vanguardias fue la ruptura de los ideales estéticos de la época (y anteriores) en todas las artes desde la poesía, plástica, etc, ponderando nuevas estructuras formales, el espíritu de la obra, la no representación o abstracción: reduciendo las imágenes a su mínima expresión color y figuras geométricas regulares, desarrollando estructuras no anecdóticas, poetas como James Joyce influenciaron a sus coetáneos y futuras generaciones.
De pintores como Malevich, Mondrian, Kandinsky y demás artistas involucrados en el futurismo y demás movimientos como Leger, Moholy-Nagy, Hans Richter, Man Ray entre otros, exploraron las posibilidades plásticas de este medio de producir imágenes en movimiento y literal mente hacer pinturas en muevan.
Otro aspecto de exploración fueron las posibilidades del sonido y como este construye una mancuerna con las imágenes que desencadena emociones en el espectador exploraciones como las de Walter Ruttmann y sus "Opus" entregando la estafeta a Oskar Fischinger el cual con su lumigraph (1995) complejizo sus pasos, en sus "studios" también llamados poemas visuales con ayuda de músicos, otros artistas dignos a destacar en este ámbito es Len Lye y Norman Mclaren; el primero utiliza estencil y diversos utensilios con los cuales interviene directamente en el celuloide, al igual que Mclaren con un clavo (este echándole bastante crema asus tac.. trabajo).
Una invención que apoyo a la exploración de la animación fue el osciloscopio y como este obtenía las imágenes, de variaciones eléctricas que se mostraban en un monitor, anunciando los cgi y el video.
Una autora a destacar es Mary Ellen Bute que utiliza las imágenes del osciloscopio para crear su música visual "synchromy".
Todo esto a principios de siglo y entre guerras su desarrollo se ve interrumpido en momentos pero retomado al terminar la segunda guerra mundial; el desarrollo bélico tecnológico desemboca en el primer ordenador electrónico, (1946 surge el CGI) este nueva herramienta es usada por artistas como Mclaren y John Whitney siendo el segundo el que más provecho sacaría de esto al desarrollar en 1961 un ordenador que el mismo programará, (además de colaborar en programas de misiles guiados, por supuesto jugando con otros juguetes) también creando su empresa Motion Graphic Inc, y su "catalog" composición de sus animaciones abstractas. ( entre otras cosas hizo una residencia artística en ibm e hizo efectos para la película"Vértigo"). Sin duda este muchacho abre una gran brecha en la forma de experimentar con la animación si bien podría llamarse digital. En los sesentas se creó un boom de los cgi, trabajos como el de Edwar Zajec con su "TVC" en el cual programa una secuencia de animación que se estructura de manera azarosa, es decir sin un diseño previo.
En 1963 Irvan Sutherland crea el Sketch pad en la cual puede dibujar sobre una pantalla líneas, puntos y curvas que se computan en un ordenador. Otro trabajo que me gusto mucho fue "Humming bird" (1968) de Charles Csuri en la cual un colibrí se descompone en las líneas que lo dibujan.
Aspectos que creo aportan a la animación y sus exploraciones es la creación de Lucas film en la cual los cgi fueron de vital importancia y que a partir de esto ibm y después pixar serían creadas, en el 82 Adobe y autodesk surgen como los principales y mas potentes creadores de cgi hasta que en 1995 surge el primer largometraje animado completamente con cgi "toy story".
Hasta aquí tenemos una acreción de trabajos e inventos que van enriqueciendo la animación podría decirse que en la actualidad continua la exploración de la animación com medios abstractos con resultados que compiten con lo que podríamos llamar realistas trabajos como Magma de Dvein (https://www.youtube.com/watch?v=9qxMJAdpJYE) o el film enter the void de Gaspar Noe utilizan la animación para hacer ver lo inefable.
La animacion en un universo en el cual el modo de ver del fruidor puede ser traducido en movimiento y sonido, trabajos como los de Mclaren me remiten a la animacion de dumbo embriagado, en resumen la capacidad expresiva de la animacion es casi infinita y con el paso del tiempo ¿que mas se animara?
miércoles, 4 de octubre de 2017
Koyaanisqatsi
Vida fuera de balance.
Este filme muestra como el cine y su lenguaje puede contener una polisemia en su echura, como lo dice Reggio en la British Board of Film Classification:
<<Han tratado sobre como todos y todo: política, educación, estructura financiera, la estructura del estado, el lenguaje, la cultura, la religión, todo ello existe dentro de la tecnología. Así que no se trata del efecto de esta, si no de todo lo que existe dentro de ella. No es que usemos tecnología, es que vivimos la tecnología. La tecnología se ha hecho tan ubicua como el aire que respiramos..>>.
Todo este sistema social, hecho un bello discurso poético, música e imágenes o mejor dicho la música de la imágenes a perfecto compás.
La hechura de este film se base en el time-lapse cuya solución técnica fue craneada por Ron Fricke, y las tijeras poéticas corrieron a cargo de Alton Walpole y el mismo Reggio.
Es en el montaje donde las imágenes cobran sentido esto gracias a la labor del fruidor que desarrolla un sistema de representación, cuyos elementos básicos son la metonimia y la metáfora elementos que resultan del corte (poético) de las imágenes obtenidas. en palabras de Umberto Barbaro: "en el film, la visión del mundo no puede ser solamente intuida sino que tiene que ser críticamente consciente para dar un sentido y una determinación precisa a todo detalle."
La metonimia y metáforas visuales contenidas en esta película y al no haber un modelo lineal ni diálogo es donde Reggio explota al máximo las posibilidades de construir un sentido o más bien una multiplicidad de estos (una polisemia) a partir del código cinematográfico, una mejor forma de entender este hilo argumentativo se encuentra en la siguiente cita de Franco Pecori: "El valor social del cine no estriba ciertamente en darle al publico un modelo estático fácil de reconocer, sino en crear una situación semiótica abierta a la comprobación de ciertas relaciones reales a través de la descodificación de procedimientos técnicos propios" otra sentencia más sintética que pronuncia Reggio: «el significado de la película depende del espectador».
Esta manera de pensar y de vivir el cine se aproxima mucho a la idea de la "exposición interior " que es provocada por una "visión fílmica" por medio de la cual "el espectador consigue unir en la mente, entre si los diferentes encuadres" explica Boris Eichenbaum.
Este filme nos ofrece una polifonia en toda la extencion de la palabra, distintas maneras de ver, de hacer, de comunicar y de cuestionarse la secuencia de la humanidad en su devenir totalmente fuera de balance.
Este filme muestra como el cine y su lenguaje puede contener una polisemia en su echura, como lo dice Reggio en la British Board of Film Classification:
<<Han tratado sobre como todos y todo: política, educación, estructura financiera, la estructura del estado, el lenguaje, la cultura, la religión, todo ello existe dentro de la tecnología. Así que no se trata del efecto de esta, si no de todo lo que existe dentro de ella. No es que usemos tecnología, es que vivimos la tecnología. La tecnología se ha hecho tan ubicua como el aire que respiramos..>>.
Todo este sistema social, hecho un bello discurso poético, música e imágenes o mejor dicho la música de la imágenes a perfecto compás.
La hechura de este film se base en el time-lapse cuya solución técnica fue craneada por Ron Fricke, y las tijeras poéticas corrieron a cargo de Alton Walpole y el mismo Reggio.
Es en el montaje donde las imágenes cobran sentido esto gracias a la labor del fruidor que desarrolla un sistema de representación, cuyos elementos básicos son la metonimia y la metáfora elementos que resultan del corte (poético) de las imágenes obtenidas. en palabras de Umberto Barbaro: "en el film, la visión del mundo no puede ser solamente intuida sino que tiene que ser críticamente consciente para dar un sentido y una determinación precisa a todo detalle."
La metonimia y metáforas visuales contenidas en esta película y al no haber un modelo lineal ni diálogo es donde Reggio explota al máximo las posibilidades de construir un sentido o más bien una multiplicidad de estos (una polisemia) a partir del código cinematográfico, una mejor forma de entender este hilo argumentativo se encuentra en la siguiente cita de Franco Pecori: "El valor social del cine no estriba ciertamente en darle al publico un modelo estático fácil de reconocer, sino en crear una situación semiótica abierta a la comprobación de ciertas relaciones reales a través de la descodificación de procedimientos técnicos propios" otra sentencia más sintética que pronuncia Reggio: «el significado de la película depende del espectador».
Esta manera de pensar y de vivir el cine se aproxima mucho a la idea de la "exposición interior " que es provocada por una "visión fílmica" por medio de la cual "el espectador consigue unir en la mente, entre si los diferentes encuadres" explica Boris Eichenbaum.
Este filme nos ofrece una polifonia en toda la extencion de la palabra, distintas maneras de ver, de hacer, de comunicar y de cuestionarse la secuencia de la humanidad en su devenir totalmente fuera de balance.
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