Sobre el uso de las imágenes en movimiento
Mas que una aportación de lineas generales de las imágenes en movimiento la relevancia del curso radica en el interés del profe en las posibilidades discursivas de los alumno y como las propias imágenes potencian el mensaje con los códigos propios del medio, audio e imágenes en movimiento se convierten en un herramienta indispensable para comunicar y en el arte su función no cumple solo un rol de registro sino que por sus características se convierte en un lenguaje en si mismo.
El lenguaje vídeo es hoy un medio fundamental para dar a conocer y explorar formas de pensar la importancia y vigencia del vídeo radica en su instantaneidad y ubicuidad fruto de los recursos tecnológicos y diversidad de formas de producción desde un celular, diversidad de cámaras, formas de animación, etc lo vuelven un a herramienta que nos lleva explorar expresividad de la técnica con que fue concebida y la posibilidad de llevarlo a medios expandidos como 3d y realidad virtual realidad expandida, etc.
La pasión se contagia. la pasión y cercanía que posee Andrea con el medio la contagia a todos nosotros colocando una semilla del aprender haciendo y orillarnos a explorar por nosotros mismos el medio con una guía critica que construye destruyendo romanticismos y aportando una economía y eficiencia al decir hacer y el ver interpretar, comentarios puntuales que nos llevan indiscutible-mente a un avance en la asimilación del medio concluyendo en trabajos de muestra de gran valía muestra de lo aprendido durante el curso, del cual me siento afortunado y agradecido de presenciar.
En cuanto a mejoras creo que la gran experiencia de Andrea es sin temor a exagerar impecable
u factor que tinto el semestre de breve y forzado son las contundencias ,de la naturaleza y sus inexpugnables fuerzas. por otra parte en el casi caso se me hace necesario un aproximación mas que una aproximación una zambullida en los programas que en lineas generales no conozco enfrentándome en este curso a llanto jalones de pelo y resignación que al final todo sacrificio da sus frutos y con el apoyo de mis compañeros saltamos le escollo final.
Reflexión final
Debemos de enfrentarnos a nuestra actualidad y develar el germen de violencia que nos azota la repetición sirve para dar sentido o de perder lo, en este caso el ciclo de violencia no se rompe no tiene sentido mas que el descarno que se acrece, son mas los núcleos de violencia, violencia de estado , de genero , de crimen organizado y desorganizado, en las palabras de Heraclito la guerra es el padre de todas las cosa. Exigimos la orfandad.
viernes, 8 de diciembre de 2017
miércoles, 8 de noviembre de 2017
idea final
Combinar videos de cultura popular videos musicales, comerciales, discursos políticos, etc. con tomas en diversos planos de personas en situación de violencia, en intervalos muy veloces de 3 a 12 frames por segundo. la intención es enunciar el nivel de inseguridad en la que vivimos, y el video me permite explotar esta sensación de ansiedad con el recurso de un ritmo acelerado.
lunes, 30 de octubre de 2017
Video Arte
El harte del aburrimiento
Al seguir el texto anterior sobre la experimentación de las potencias del video, dejamos de lado los enunciados en los cuales artistas como Nam June Paik, Douglas davis, James Nauman, etc. de esta experimentación se desarrolla como bien lo mencionamos antes tres corrientes o géneros en los que el video se abordaba de distintas formas (body art, vídeo instalación y vídeo escultura) y como este siempre estrecho un vínculo a lo largo de su vida con la televisión hasta que personajes como David Roos y Gene Youngblood legitiman y sostuvieron al video arte en la gran escena artística (galerías, museos) dándoles una nueva casa y un mercado privilegiado, elitista si, pero nada despreciable a los ojos del productor de contenido video, discriminando un tanto una brecha de bidireccionalidad propuesta por el movimiento fluxus, y por Duglas Davis y el trabajo de James Nauman con "Open Galery" en el que " la televisión es el medio idóneo para que el arte pueda salir de su círculo minoritario.. y llevarlo al pueblo por el medio de mayor alcance."
Fluxus unos de los grupos y movimientos artísticos de los cuales el medio video fue una de sus herramientas más potentes además del propio artista y su accionar (constante yo del artista) en el que la herencia del dadá se hacía notar en happenings, performance, acciones efímeras y procesuales, body art instalación y cuya principal característica es el no objeto enfatizando el video como medio de registro y parte del sentido de las mismas acciones, a su vez se luchaba por nuevas formas de expresión rechazando la fidelidad y "veracidad objetiva" en palabras de N J Paik: " rechazamos a la alta fidelidad pero alcanzamos la super infidelidad...el adulterio siempre es más interesante que el adulterio" ( si señor).
"Video no es arte pero es un medio que puede ser utilizado para crear un producto artístico" y otra frace de Aconcci: "El video es un medio más a utilizar".
" ... de la misma manera en que la técnica del collage reemplazo a la pintura al oleo, el tubo de rayos catodicos reemplazara a la tela". NJP
En palabras de David Duglas sobre el videoarte".. son trabajos que privilegian la información el concepto, (estampos en la era dorada del conceptualismo) que por la pura informacion estética del arte tradicional.
Otra variante del video fue la factura de comerciales dirigidos por el guro del pop art Warhol en el que el videoarte y la publicidad siguen con fuerza hasta ahora.
En los años setenta inician las grandes muestras a cargo de Roos además de las primeras ventas de video tapes disolviendo el medio de videoarte a una cúspide de privilegiados donde la televisión dominó la publicidad y someras presentaciones derivadas de experiencias anteriores. El video se distancia de las promesas anunciadas por fluxus y demás y comienza la era del aburrimiento en la cual tomas largas y enfoque personales distancian al público en general de la escena teniendo este un público selecto productores coleccionistas.
El video en los ochentas y noventas toma una brecha mas autogestiva con diversos movimiento y grupos de video comunitario asimilando al medio y su función social como en américa del norte y europa, comienza televisoras independientes de contenidos propios con injerencia en la comunidad en la que reside programas y canales de tv como los de guerrilla televisión marcaron pauta en la forma en la que se hacía televisión y video con contenido de calidad utilizando el bagaje adquirido en los años anteriores .
Este medio por si mismo y en la manera en la que se aborde puede brindarnos una experiencia de arte total al mas que una experiencia contemplativa es una herramienta discursiva potente altamente política en este sentido Andrea Fraser y su trabajo por medio de performance e intervenciones estructura una fuerte critica a la escena del arte satirizando sus estratos y personajes sin dejar cabos sueltos es una estocada directa al arte y su manera del 1% de acción, usando el video como principal soporte y en el cual puede verter su recalcitrante punto de vista.
Al seguir el texto anterior sobre la experimentación de las potencias del video, dejamos de lado los enunciados en los cuales artistas como Nam June Paik, Douglas davis, James Nauman, etc. de esta experimentación se desarrolla como bien lo mencionamos antes tres corrientes o géneros en los que el video se abordaba de distintas formas (body art, vídeo instalación y vídeo escultura) y como este siempre estrecho un vínculo a lo largo de su vida con la televisión hasta que personajes como David Roos y Gene Youngblood legitiman y sostuvieron al video arte en la gran escena artística (galerías, museos) dándoles una nueva casa y un mercado privilegiado, elitista si, pero nada despreciable a los ojos del productor de contenido video, discriminando un tanto una brecha de bidireccionalidad propuesta por el movimiento fluxus, y por Duglas Davis y el trabajo de James Nauman con "Open Galery" en el que " la televisión es el medio idóneo para que el arte pueda salir de su círculo minoritario.. y llevarlo al pueblo por el medio de mayor alcance."
Fluxus unos de los grupos y movimientos artísticos de los cuales el medio video fue una de sus herramientas más potentes además del propio artista y su accionar (constante yo del artista) en el que la herencia del dadá se hacía notar en happenings, performance, acciones efímeras y procesuales, body art instalación y cuya principal característica es el no objeto enfatizando el video como medio de registro y parte del sentido de las mismas acciones, a su vez se luchaba por nuevas formas de expresión rechazando la fidelidad y "veracidad objetiva" en palabras de N J Paik: " rechazamos a la alta fidelidad pero alcanzamos la super infidelidad...el adulterio siempre es más interesante que el adulterio" ( si señor).
"Video no es arte pero es un medio que puede ser utilizado para crear un producto artístico" y otra frace de Aconcci: "El video es un medio más a utilizar".
" ... de la misma manera en que la técnica del collage reemplazo a la pintura al oleo, el tubo de rayos catodicos reemplazara a la tela". NJP
En palabras de David Duglas sobre el videoarte".. son trabajos que privilegian la información el concepto, (estampos en la era dorada del conceptualismo) que por la pura informacion estética del arte tradicional.
Otra variante del video fue la factura de comerciales dirigidos por el guro del pop art Warhol en el que el videoarte y la publicidad siguen con fuerza hasta ahora.
En los años setenta inician las grandes muestras a cargo de Roos además de las primeras ventas de video tapes disolviendo el medio de videoarte a una cúspide de privilegiados donde la televisión dominó la publicidad y someras presentaciones derivadas de experiencias anteriores. El video se distancia de las promesas anunciadas por fluxus y demás y comienza la era del aburrimiento en la cual tomas largas y enfoque personales distancian al público en general de la escena teniendo este un público selecto productores coleccionistas.
El video en los ochentas y noventas toma una brecha mas autogestiva con diversos movimiento y grupos de video comunitario asimilando al medio y su función social como en américa del norte y europa, comienza televisoras independientes de contenidos propios con injerencia en la comunidad en la que reside programas y canales de tv como los de guerrilla televisión marcaron pauta en la forma en la que se hacía televisión y video con contenido de calidad utilizando el bagaje adquirido en los años anteriores .
Este medio por si mismo y en la manera en la que se aborde puede brindarnos una experiencia de arte total al mas que una experiencia contemplativa es una herramienta discursiva potente altamente política en este sentido Andrea Fraser y su trabajo por medio de performance e intervenciones estructura una fuerte critica a la escena del arte satirizando sus estratos y personajes sin dejar cabos sueltos es una estocada directa al arte y su manera del 1% de acción, usando el video como principal soporte y en el cual puede verter su recalcitrante punto de vista.
viernes, 27 de octubre de 2017
Video Experimental
Origen de la experiencia.
El origen del video se vincula con el desarrollo del magnetoscopio (Ampex 1952), si bien el video es el cambio de registro y reproducción de la imagen por medios electrónicos, podemos seguir su origen hasta el osciloscopio y si la experimentación puede ser nombrada como los primeros roces del medio nos aproximaremos a esos inicios en los párrafos siguientes.
Ahora retomando como base del vídeo al magnetoscopio cuyo paradigma es la codificación de imágenes y audio en una cinta magnética; este surge de la necesidad de transmitir información de un lugar a otro y como auxiliar en el desarrollo tecnológico de la televisión y en especifico para los noticieros americanos al trasmitir de costa a costa una noticia sin la necesidad de revelar, y sin perdida de información (pues se filmaba de un televisor).
Si lo s primeros roces con el medio surgen con la televisión, programas como los de Fred Barzyk y Ernie Kovacz con contenido de música y humor respectivamente utilizaban las cualidades del "pre-video" como visualización de espectros sonoras y distorsión de las imágenes por impulso sonoro e inversión de la imagen en negativo.
La experimentación con letras mayúsculas podemos vincularla con un muchachito de 16 años ( en ese entonces) que desarrolló un sistema de circuito cerrado con recursos de segunda mano y en 1961 un sistema de colorización (bricolour). Gran parte del acercamiento de las posibilidades técnicas del video se debe a investigación tecnológica de la manipulación y generación electrónica de imágenes.
Habrá que recalcar que las potencias del vídeo podían ser tanto expresivas como represivas (vídeo vigilancia y vídeo pafletario). Este ejemplo puede verse reflejado en las circunstancias geopolíticas de América y Europa; en la primera la dirección de canales de televisión y contenido era confiada a artistas del medio; por otro lado en Europa el control de los canales fue absorbida inmediatamente por los diversos estados, debido a esto surge una máxima la cual es que el vídeo causa política o en palabras de Tambellini acerca del vídeo "... una actitud no únicamente de orden estético/creativa sino una actitud política". Siendo esta una exploración discursiva del medio ademas de como se consume distribuye y entra en "hibernación".
En este contexto trabajos como los de Paik, Tambellini, Douglas Davis experimentan con la forma en la que percibimos el video y la distorsión de cualidades gráficas por medio de un video sintetizador, la manera en que habita el video en su estructura formal el televisor como un mueble que habita y el tercero en la acto del espectador y fomentar un bidireccionalidad en el espectador productor.
Ahora bien en esta brecha abra que discriminar entre video y prevideo:
Prevideo: 1960-64 manipulación de receptores de tv, modulación horizontal y vertical de la imagen, distorsionada por impulso sonoro.
video: 1965-1968 distorsión de la imagen por electro magnetismo, sistema de coloracion, manipulacion de imagen a partir de un modulador de audio.
El vídeo sintetizador ideado por NJ Paik junto con Shuya abe en 1970 con el cual se logra modificar de manera formal el vídeo trabajos como "Positive négative", de Keith Sonnier en la cual el vídeo se descompone en elementos gráficos sin abandonar la imagen de referencia es te sintetizador se ocupo para generar vídeos con una estética psicodélica (videografía) con uso de fractales y colores vivos.
Aparte de sus cualidades discursivas técnicamente no se experimentó mucho y la videografía solo exploraba la parte espectacular más cerca de la gráfica que a el medio vídeo.
Posterior mente en 1977 Peter Campus nos acerca a una tecnología de perforar un vídeo por medio de un color de fondo (chroma key), que en los años siguientes seria utilizado en la televisión en especifico en noticiarios y programas humorísticos
También habrá que tomar en cuenta la evolución de vídeo desde el vídeo tape de distintos formatos y las diversas cámaras hasta el vídeo digital y como estos cuerpos donde se registra, con el paso del tiempo van perdiendo vigencia, así como los discursos con los que fueros planteados, aun así queda un alto grado de referencialidad con el vídeo; su contexto y la manera en que es abordado en este sentido se divide el vídeo en varios grupos body art, vídeo instalación y vídeo escultura, cada uno aborda el medio de distintos vértices el primero como un acto de registro en el que el vídeo sirve para documentar una acción en el segundo, la manera en que los distintos pasos para hacer vídeo construyen un sentido y el tercero se enfoca en lo que podríamos decir una morfología del vídeo y como interactuamos con ello.
Con lo anterior nos aproximamos al siguiente tema que es vídeo arte, retomando la experimentación en el caso del vídeo, en este rubro solo queda asentar que las potencias expresivas del vídeo vienen en un principio del lenguaje del cinematógrafo ahora, las cualidades propias de este es su plasticidad con la cual se pueden lograr cambios de color saturasion y de contraste, ademas de adherir y quitar contenido incrementando considerablemente su cualidad expresiva a esto se suma el audio que logra un lenguaje que nos llega por diversos sentidos; en esta conclucion me gustaría poner como ejemplo el vídeo de Pola Weiss "Mi Co-Ra-Zón" 1986 en el cual un año atrás del sismo sale bailando sobre ruinas con un latido que le marca el compás, utilizando un chroma key y colorizaciones logra exaltar una sensación de angustia y desolación, articulando de manera precisa los elementos del vídeo.
El origen del video se vincula con el desarrollo del magnetoscopio (Ampex 1952), si bien el video es el cambio de registro y reproducción de la imagen por medios electrónicos, podemos seguir su origen hasta el osciloscopio y si la experimentación puede ser nombrada como los primeros roces del medio nos aproximaremos a esos inicios en los párrafos siguientes.
Ahora retomando como base del vídeo al magnetoscopio cuyo paradigma es la codificación de imágenes y audio en una cinta magnética; este surge de la necesidad de transmitir información de un lugar a otro y como auxiliar en el desarrollo tecnológico de la televisión y en especifico para los noticieros americanos al trasmitir de costa a costa una noticia sin la necesidad de revelar, y sin perdida de información (pues se filmaba de un televisor).
Si lo s primeros roces con el medio surgen con la televisión, programas como los de Fred Barzyk y Ernie Kovacz con contenido de música y humor respectivamente utilizaban las cualidades del "pre-video" como visualización de espectros sonoras y distorsión de las imágenes por impulso sonoro e inversión de la imagen en negativo.
La experimentación con letras mayúsculas podemos vincularla con un muchachito de 16 años ( en ese entonces) que desarrolló un sistema de circuito cerrado con recursos de segunda mano y en 1961 un sistema de colorización (bricolour). Gran parte del acercamiento de las posibilidades técnicas del video se debe a investigación tecnológica de la manipulación y generación electrónica de imágenes.
Habrá que recalcar que las potencias del vídeo podían ser tanto expresivas como represivas (vídeo vigilancia y vídeo pafletario). Este ejemplo puede verse reflejado en las circunstancias geopolíticas de América y Europa; en la primera la dirección de canales de televisión y contenido era confiada a artistas del medio; por otro lado en Europa el control de los canales fue absorbida inmediatamente por los diversos estados, debido a esto surge una máxima la cual es que el vídeo causa política o en palabras de Tambellini acerca del vídeo "... una actitud no únicamente de orden estético/creativa sino una actitud política". Siendo esta una exploración discursiva del medio ademas de como se consume distribuye y entra en "hibernación".
En este contexto trabajos como los de Paik, Tambellini, Douglas Davis experimentan con la forma en la que percibimos el video y la distorsión de cualidades gráficas por medio de un video sintetizador, la manera en que habita el video en su estructura formal el televisor como un mueble que habita y el tercero en la acto del espectador y fomentar un bidireccionalidad en el espectador productor.
Ahora bien en esta brecha abra que discriminar entre video y prevideo:
Prevideo: 1960-64 manipulación de receptores de tv, modulación horizontal y vertical de la imagen, distorsionada por impulso sonoro.
video: 1965-1968 distorsión de la imagen por electro magnetismo, sistema de coloracion, manipulacion de imagen a partir de un modulador de audio.
El vídeo sintetizador ideado por NJ Paik junto con Shuya abe en 1970 con el cual se logra modificar de manera formal el vídeo trabajos como "Positive négative", de Keith Sonnier en la cual el vídeo se descompone en elementos gráficos sin abandonar la imagen de referencia es te sintetizador se ocupo para generar vídeos con una estética psicodélica (videografía) con uso de fractales y colores vivos.
Aparte de sus cualidades discursivas técnicamente no se experimentó mucho y la videografía solo exploraba la parte espectacular más cerca de la gráfica que a el medio vídeo.
Posterior mente en 1977 Peter Campus nos acerca a una tecnología de perforar un vídeo por medio de un color de fondo (chroma key), que en los años siguientes seria utilizado en la televisión en especifico en noticiarios y programas humorísticos
También habrá que tomar en cuenta la evolución de vídeo desde el vídeo tape de distintos formatos y las diversas cámaras hasta el vídeo digital y como estos cuerpos donde se registra, con el paso del tiempo van perdiendo vigencia, así como los discursos con los que fueros planteados, aun así queda un alto grado de referencialidad con el vídeo; su contexto y la manera en que es abordado en este sentido se divide el vídeo en varios grupos body art, vídeo instalación y vídeo escultura, cada uno aborda el medio de distintos vértices el primero como un acto de registro en el que el vídeo sirve para documentar una acción en el segundo, la manera en que los distintos pasos para hacer vídeo construyen un sentido y el tercero se enfoca en lo que podríamos decir una morfología del vídeo y como interactuamos con ello.
Con lo anterior nos aproximamos al siguiente tema que es vídeo arte, retomando la experimentación en el caso del vídeo, en este rubro solo queda asentar que las potencias expresivas del vídeo vienen en un principio del lenguaje del cinematógrafo ahora, las cualidades propias de este es su plasticidad con la cual se pueden lograr cambios de color saturasion y de contraste, ademas de adherir y quitar contenido incrementando considerablemente su cualidad expresiva a esto se suma el audio que logra un lenguaje que nos llega por diversos sentidos; en esta conclucion me gustaría poner como ejemplo el vídeo de Pola Weiss "Mi Co-Ra-Zón" 1986 en el cual un año atrás del sismo sale bailando sobre ruinas con un latido que le marca el compás, utilizando un chroma key y colorizaciones logra exaltar una sensación de angustia y desolación, articulando de manera precisa los elementos del vídeo.
martes, 24 de octubre de 2017
Animacion experimental
Abstracciones en movimiento
Al consolidarse las imágenes en movimiento con el cinematógrafo y sus posibilidades narrativas, descriptivas; a la par inicia una exploración guiada por los movimientos Avant garde de principios del siglo XX exploraciones en las que destacan, figuras geométricas y su distribución en el plano, podría tomarse como una traducción directa de la pintura del momento a un lienzo de celuloide.
Una de las características de las vanguardias fue la ruptura de los ideales estéticos de la época (y anteriores) en todas las artes desde la poesía, plástica, etc, ponderando nuevas estructuras formales, el espíritu de la obra, la no representación o abstracción: reduciendo las imágenes a su mínima expresión color y figuras geométricas regulares, desarrollando estructuras no anecdóticas, poetas como James Joyce influenciaron a sus coetáneos y futuras generaciones.
De pintores como Malevich, Mondrian, Kandinsky y demás artistas involucrados en el futurismo y demás movimientos como Leger, Moholy-Nagy, Hans Richter, Man Ray entre otros, exploraron las posibilidades plásticas de este medio de producir imágenes en movimiento y literal mente hacer pinturas en muevan.
Otro aspecto de exploración fueron las posibilidades del sonido y como este construye una mancuerna con las imágenes que desencadena emociones en el espectador exploraciones como las de Walter Ruttmann y sus "Opus" entregando la estafeta a Oskar Fischinger el cual con su lumigraph (1995) complejizo sus pasos, en sus "studios" también llamados poemas visuales con ayuda de músicos, otros artistas dignos a destacar en este ámbito es Len Lye y Norman Mclaren; el primero utiliza estencil y diversos utensilios con los cuales interviene directamente en el celuloide, al igual que Mclaren con un clavo (este echándole bastante crema asus tac.. trabajo).
Una invención que apoyo a la exploración de la animación fue el osciloscopio y como este obtenía las imágenes, de variaciones eléctricas que se mostraban en un monitor, anunciando los cgi y el video.
Una autora a destacar es Mary Ellen Bute que utiliza las imágenes del osciloscopio para crear su música visual "synchromy".
Todo esto a principios de siglo y entre guerras su desarrollo se ve interrumpido en momentos pero retomado al terminar la segunda guerra mundial; el desarrollo bélico tecnológico desemboca en el primer ordenador electrónico, (1946 surge el CGI) este nueva herramienta es usada por artistas como Mclaren y John Whitney siendo el segundo el que más provecho sacaría de esto al desarrollar en 1961 un ordenador que el mismo programará, (además de colaborar en programas de misiles guiados, por supuesto jugando con otros juguetes) también creando su empresa Motion Graphic Inc, y su "catalog" composición de sus animaciones abstractas. ( entre otras cosas hizo una residencia artística en ibm e hizo efectos para la película"Vértigo"). Sin duda este muchacho abre una gran brecha en la forma de experimentar con la animación si bien podría llamarse digital. En los sesentas se creó un boom de los cgi, trabajos como el de Edwar Zajec con su "TVC" en el cual programa una secuencia de animación que se estructura de manera azarosa, es decir sin un diseño previo.
En 1963 Irvan Sutherland crea el Sketch pad en la cual puede dibujar sobre una pantalla líneas, puntos y curvas que se computan en un ordenador. Otro trabajo que me gusto mucho fue "Humming bird" (1968) de Charles Csuri en la cual un colibrí se descompone en las líneas que lo dibujan.
Aspectos que creo aportan a la animación y sus exploraciones es la creación de Lucas film en la cual los cgi fueron de vital importancia y que a partir de esto ibm y después pixar serían creadas, en el 82 Adobe y autodesk surgen como los principales y mas potentes creadores de cgi hasta que en 1995 surge el primer largometraje animado completamente con cgi "toy story".
Hasta aquí tenemos una acreción de trabajos e inventos que van enriqueciendo la animación podría decirse que en la actualidad continua la exploración de la animación com medios abstractos con resultados que compiten con lo que podríamos llamar realistas trabajos como Magma de Dvein (https://www.youtube.com/watch?v=9qxMJAdpJYE) o el film enter the void de Gaspar Noe utilizan la animación para hacer ver lo inefable.
La animacion en un universo en el cual el modo de ver del fruidor puede ser traducido en movimiento y sonido, trabajos como los de Mclaren me remiten a la animacion de dumbo embriagado, en resumen la capacidad expresiva de la animacion es casi infinita y con el paso del tiempo ¿que mas se animara?
Al consolidarse las imágenes en movimiento con el cinematógrafo y sus posibilidades narrativas, descriptivas; a la par inicia una exploración guiada por los movimientos Avant garde de principios del siglo XX exploraciones en las que destacan, figuras geométricas y su distribución en el plano, podría tomarse como una traducción directa de la pintura del momento a un lienzo de celuloide.
Una de las características de las vanguardias fue la ruptura de los ideales estéticos de la época (y anteriores) en todas las artes desde la poesía, plástica, etc, ponderando nuevas estructuras formales, el espíritu de la obra, la no representación o abstracción: reduciendo las imágenes a su mínima expresión color y figuras geométricas regulares, desarrollando estructuras no anecdóticas, poetas como James Joyce influenciaron a sus coetáneos y futuras generaciones.
De pintores como Malevich, Mondrian, Kandinsky y demás artistas involucrados en el futurismo y demás movimientos como Leger, Moholy-Nagy, Hans Richter, Man Ray entre otros, exploraron las posibilidades plásticas de este medio de producir imágenes en movimiento y literal mente hacer pinturas en muevan.
Otro aspecto de exploración fueron las posibilidades del sonido y como este construye una mancuerna con las imágenes que desencadena emociones en el espectador exploraciones como las de Walter Ruttmann y sus "Opus" entregando la estafeta a Oskar Fischinger el cual con su lumigraph (1995) complejizo sus pasos, en sus "studios" también llamados poemas visuales con ayuda de músicos, otros artistas dignos a destacar en este ámbito es Len Lye y Norman Mclaren; el primero utiliza estencil y diversos utensilios con los cuales interviene directamente en el celuloide, al igual que Mclaren con un clavo (este echándole bastante crema asus tac.. trabajo).
Una invención que apoyo a la exploración de la animación fue el osciloscopio y como este obtenía las imágenes, de variaciones eléctricas que se mostraban en un monitor, anunciando los cgi y el video.
Una autora a destacar es Mary Ellen Bute que utiliza las imágenes del osciloscopio para crear su música visual "synchromy".
Todo esto a principios de siglo y entre guerras su desarrollo se ve interrumpido en momentos pero retomado al terminar la segunda guerra mundial; el desarrollo bélico tecnológico desemboca en el primer ordenador electrónico, (1946 surge el CGI) este nueva herramienta es usada por artistas como Mclaren y John Whitney siendo el segundo el que más provecho sacaría de esto al desarrollar en 1961 un ordenador que el mismo programará, (además de colaborar en programas de misiles guiados, por supuesto jugando con otros juguetes) también creando su empresa Motion Graphic Inc, y su "catalog" composición de sus animaciones abstractas. ( entre otras cosas hizo una residencia artística en ibm e hizo efectos para la película"Vértigo"). Sin duda este muchacho abre una gran brecha en la forma de experimentar con la animación si bien podría llamarse digital. En los sesentas se creó un boom de los cgi, trabajos como el de Edwar Zajec con su "TVC" en el cual programa una secuencia de animación que se estructura de manera azarosa, es decir sin un diseño previo.
En 1963 Irvan Sutherland crea el Sketch pad en la cual puede dibujar sobre una pantalla líneas, puntos y curvas que se computan en un ordenador. Otro trabajo que me gusto mucho fue "Humming bird" (1968) de Charles Csuri en la cual un colibrí se descompone en las líneas que lo dibujan.
Aspectos que creo aportan a la animación y sus exploraciones es la creación de Lucas film en la cual los cgi fueron de vital importancia y que a partir de esto ibm y después pixar serían creadas, en el 82 Adobe y autodesk surgen como los principales y mas potentes creadores de cgi hasta que en 1995 surge el primer largometraje animado completamente con cgi "toy story".
Hasta aquí tenemos una acreción de trabajos e inventos que van enriqueciendo la animación podría decirse que en la actualidad continua la exploración de la animación com medios abstractos con resultados que compiten con lo que podríamos llamar realistas trabajos como Magma de Dvein (https://www.youtube.com/watch?v=9qxMJAdpJYE) o el film enter the void de Gaspar Noe utilizan la animación para hacer ver lo inefable.
La animacion en un universo en el cual el modo de ver del fruidor puede ser traducido en movimiento y sonido, trabajos como los de Mclaren me remiten a la animacion de dumbo embriagado, en resumen la capacidad expresiva de la animacion es casi infinita y con el paso del tiempo ¿que mas se animara?
miércoles, 4 de octubre de 2017
Koyaanisqatsi
Vida fuera de balance.
Este filme muestra como el cine y su lenguaje puede contener una polisemia en su echura, como lo dice Reggio en la British Board of Film Classification:
<<Han tratado sobre como todos y todo: política, educación, estructura financiera, la estructura del estado, el lenguaje, la cultura, la religión, todo ello existe dentro de la tecnología. Así que no se trata del efecto de esta, si no de todo lo que existe dentro de ella. No es que usemos tecnología, es que vivimos la tecnología. La tecnología se ha hecho tan ubicua como el aire que respiramos..>>.
Todo este sistema social, hecho un bello discurso poético, música e imágenes o mejor dicho la música de la imágenes a perfecto compás.
La hechura de este film se base en el time-lapse cuya solución técnica fue craneada por Ron Fricke, y las tijeras poéticas corrieron a cargo de Alton Walpole y el mismo Reggio.
Es en el montaje donde las imágenes cobran sentido esto gracias a la labor del fruidor que desarrolla un sistema de representación, cuyos elementos básicos son la metonimia y la metáfora elementos que resultan del corte (poético) de las imágenes obtenidas. en palabras de Umberto Barbaro: "en el film, la visión del mundo no puede ser solamente intuida sino que tiene que ser críticamente consciente para dar un sentido y una determinación precisa a todo detalle."
La metonimia y metáforas visuales contenidas en esta película y al no haber un modelo lineal ni diálogo es donde Reggio explota al máximo las posibilidades de construir un sentido o más bien una multiplicidad de estos (una polisemia) a partir del código cinematográfico, una mejor forma de entender este hilo argumentativo se encuentra en la siguiente cita de Franco Pecori: "El valor social del cine no estriba ciertamente en darle al publico un modelo estático fácil de reconocer, sino en crear una situación semiótica abierta a la comprobación de ciertas relaciones reales a través de la descodificación de procedimientos técnicos propios" otra sentencia más sintética que pronuncia Reggio: «el significado de la película depende del espectador».
Esta manera de pensar y de vivir el cine se aproxima mucho a la idea de la "exposición interior " que es provocada por una "visión fílmica" por medio de la cual "el espectador consigue unir en la mente, entre si los diferentes encuadres" explica Boris Eichenbaum.
Este filme nos ofrece una polifonia en toda la extencion de la palabra, distintas maneras de ver, de hacer, de comunicar y de cuestionarse la secuencia de la humanidad en su devenir totalmente fuera de balance.
Este filme muestra como el cine y su lenguaje puede contener una polisemia en su echura, como lo dice Reggio en la British Board of Film Classification:
<<Han tratado sobre como todos y todo: política, educación, estructura financiera, la estructura del estado, el lenguaje, la cultura, la religión, todo ello existe dentro de la tecnología. Así que no se trata del efecto de esta, si no de todo lo que existe dentro de ella. No es que usemos tecnología, es que vivimos la tecnología. La tecnología se ha hecho tan ubicua como el aire que respiramos..>>.
Todo este sistema social, hecho un bello discurso poético, música e imágenes o mejor dicho la música de la imágenes a perfecto compás.
La hechura de este film se base en el time-lapse cuya solución técnica fue craneada por Ron Fricke, y las tijeras poéticas corrieron a cargo de Alton Walpole y el mismo Reggio.
Es en el montaje donde las imágenes cobran sentido esto gracias a la labor del fruidor que desarrolla un sistema de representación, cuyos elementos básicos son la metonimia y la metáfora elementos que resultan del corte (poético) de las imágenes obtenidas. en palabras de Umberto Barbaro: "en el film, la visión del mundo no puede ser solamente intuida sino que tiene que ser críticamente consciente para dar un sentido y una determinación precisa a todo detalle."
La metonimia y metáforas visuales contenidas en esta película y al no haber un modelo lineal ni diálogo es donde Reggio explota al máximo las posibilidades de construir un sentido o más bien una multiplicidad de estos (una polisemia) a partir del código cinematográfico, una mejor forma de entender este hilo argumentativo se encuentra en la siguiente cita de Franco Pecori: "El valor social del cine no estriba ciertamente en darle al publico un modelo estático fácil de reconocer, sino en crear una situación semiótica abierta a la comprobación de ciertas relaciones reales a través de la descodificación de procedimientos técnicos propios" otra sentencia más sintética que pronuncia Reggio: «el significado de la película depende del espectador».
Esta manera de pensar y de vivir el cine se aproxima mucho a la idea de la "exposición interior " que es provocada por una "visión fílmica" por medio de la cual "el espectador consigue unir en la mente, entre si los diferentes encuadres" explica Boris Eichenbaum.
Este filme nos ofrece una polifonia en toda la extencion de la palabra, distintas maneras de ver, de hacer, de comunicar y de cuestionarse la secuencia de la humanidad en su devenir totalmente fuera de balance.
miércoles, 6 de septiembre de 2017
Historia de Lisboa
Este film nos presenta la relevancia de la toma y el encuadre, y el sonido, como objetos formales en una película, y como estos pueden construir una "mayéutica" en la secuencia de tomas, el sonido, así como también construir una anécdota con los elementos fuera del encuadre que se nos presentan por medio de la audición del entorno o un juego de encuadre y cámara subjetiva.
Al ser el protagonista un sonidista, también el sonido se nos presenta como estelar y la capacidad de este elemento formal de estructurar una historia con una yuxtaposición de sonidos:
"un vaquero que fríe un huevo y huye de un león."
También es un parangón con el hombre de la cámara (tema que desarrollaremos después), el señor invierno va en busca de imágenes auditivas en especifico, buscando los lugares filmados, capturando sonidos, demostrando un bello ejemplo de contemplación y de como el cine y su sonido puede llegar a hacer volar nuestra imaginación o matar a un mosquito.
Otro aspecto del sonido es la música y su capacidad d e envolvernos en una emoción al estremecernos en un escalofrió, que ensalza dulcemente las secuencias de imágenes, con una voz que canta una ciudad.
El film es un homenaje directo a la historia del cine, tomando a Dziga Vertov y su visión del cine como inicio y llevándolo a un extremo romántico como buenos alemanes.
Dziga Vertov y Pudovkin, suenan con fuerza en las referencias conceptuales y las maneras de experimentar el cine, no como una retorica anecdotista, como lo menciona Pudovkin, hablando del cine de Griffith: " los espectadores acostumbrados a percibir una realidad artificial hecha de cartón y piedra."
Es en esta disyuntiva con Griffith por la cual el cine debe salir a buscar su propia identidad fuera de un estudio de grabación: "el cineasta tiene que ir cada ves a rodar las escenas a donde se encuentran."
liberar al cine de la retorica del espectáculo burgués y a buscar las señales de la presencia humana en el mundo cotidiano." Pudovkin.
Este acto de capturar lo verdadero en el cine kinoki es mera forma, la materia en bruto, y la que le da una calidad e lenguaje es el montaje el cual le brinda un sentido a las secuencias de imágenes, así lo explica Pudovkin "Un objeto filmado desde determinado punto de vista y proyectado al espectador, no es mas que un acosa muerta".
Capturar las esencias del mundo es la ambición de Friederich, va mas aya por mucho del proceso de mediación de la realidad a través de un celuloide, siendo toda percepción y sensación humana como quiera que esta sea una mediación de mundo.
En esta parte es donde hay que relajarse y no olvidar que lo que se hace también debe disfrutarse, ver esta mediación no como una condena sino como una potencia. Recordar la fruición de la praxis artística, disfrutar el viaje, caminar el paisaje, coquetear le a Teresa Salgueiro...
Al ser el protagonista un sonidista, también el sonido se nos presenta como estelar y la capacidad de este elemento formal de estructurar una historia con una yuxtaposición de sonidos:
"un vaquero que fríe un huevo y huye de un león."
También es un parangón con el hombre de la cámara (tema que desarrollaremos después), el señor invierno va en busca de imágenes auditivas en especifico, buscando los lugares filmados, capturando sonidos, demostrando un bello ejemplo de contemplación y de como el cine y su sonido puede llegar a hacer volar nuestra imaginación o matar a un mosquito.
Otro aspecto del sonido es la música y su capacidad d e envolvernos en una emoción al estremecernos en un escalofrió, que ensalza dulcemente las secuencias de imágenes, con una voz que canta una ciudad.
El film es un homenaje directo a la historia del cine, tomando a Dziga Vertov y su visión del cine como inicio y llevándolo a un extremo romántico como buenos alemanes.
Dziga Vertov y Pudovkin, suenan con fuerza en las referencias conceptuales y las maneras de experimentar el cine, no como una retorica anecdotista, como lo menciona Pudovkin, hablando del cine de Griffith: " los espectadores acostumbrados a percibir una realidad artificial hecha de cartón y piedra."
Es en esta disyuntiva con Griffith por la cual el cine debe salir a buscar su propia identidad fuera de un estudio de grabación: "el cineasta tiene que ir cada ves a rodar las escenas a donde se encuentran."
liberar al cine de la retorica del espectáculo burgués y a buscar las señales de la presencia humana en el mundo cotidiano." Pudovkin.
Este acto de capturar lo verdadero en el cine kinoki es mera forma, la materia en bruto, y la que le da una calidad e lenguaje es el montaje el cual le brinda un sentido a las secuencias de imágenes, así lo explica Pudovkin "Un objeto filmado desde determinado punto de vista y proyectado al espectador, no es mas que un acosa muerta".
Capturar las esencias del mundo es la ambición de Friederich, va mas aya por mucho del proceso de mediación de la realidad a través de un celuloide, siendo toda percepción y sensación humana como quiera que esta sea una mediación de mundo.
En esta parte es donde hay que relajarse y no olvidar que lo que se hace también debe disfrutarse, ver esta mediación no como una condena sino como una potencia. Recordar la fruición de la praxis artística, disfrutar el viaje, caminar el paisaje, coquetear le a Teresa Salgueiro...
jueves, 31 de agosto de 2017
Historia mundial del cine cap. II
Luis Lumiere y Melies
Esta lectura ofrece dos eslabones continuos en la creación de un lenguaje cinematográfico.
Lumiere nos ofrece en primera instancia una captura una instantánea de la realidad, obreros al concluir la jornada, almuerzos familiares, estaciones de tren; de la cual profundizaré más adelante.
En Lumiere se nota un desarrollo de; escenas circunstanciales, reportajes a la realización de gags, influenciados por las tiras cómicas de los diarios de la época ( narrativa gráfica). Además del inicio de un lenguaje cinematográfico entendido como un alternar de planos. Otro aspecto que desarrolla es el noticiero el fimar el congreso de fotografía y un discurso que al proyectar el ponente presta su voz. Un ensayo del cine hablado.
Lumiere societe incursiona en la edición y montaje de tomas rodadas en distintos lugares siguiendo el orden de los eventos.
La relación con la realidad brinda el éxito a los filmes de Lumiere, un epíteto que justo da al clavo es " maquina para recrear la vida" y por supuesto como el mismo señala recrearse a si mismo.
Con este éxito realiza publicidad de terceros y para si, siendo el cinematógrafo una novedad, su uso era una estrategia publicitaria, operadores en cruces girando su manivela, imagen que remite al hombre de la cámara y sus tropelias.
Ahora en cuanto a sus descubrimientos técnicos abordaremos la toma del ferrocarril que tanto furor causo. Se nos presenta un campo largo en una estación de tren al arribar el tren el plano se convierte en campo medio, se abren las puertas vislumbramos a una mujer en plano americano y transeúntes que cruzan la toma en primer plano esta secuencia de planos lograda con una toma fija, me resulta intrigante saber si fue un accidente o planeado con alevosía y ventaja. Una solución descubierta por un operador llamado Promio (1896) el cual en una balsa intuye " capturar con el cine y su movimiento un objeto inmóvil" (matrix).
Dieciocho meses después de ese 28 de diciembre de 1895, el cinematógrafo entra en crisis la novedad paso. En esta circunstancia aparece Melie tras una cortina de humo, con todo el bagaje del teatro ofrece fantasía y exotismo. Melies aporta ala historia del cine el contar una historia dela cual su columna vertebral era el teatro, es decir filmo obras teatrales en un solo punto de vista. "Organizaba cuadros no secuencias".
Melies veía el teatro como los engranes de un autómata, en el cual un sistema narrativo y técnico da como resultado un espectáculo sorprendente. Es por esto que Melies se convirtió en el prestidigitador del como narrar una historia con diversos trucajes: sobre impresiones, exposiciones múltiples, etc fotografía espiritista.
El éxito de sus filmes llega esplendido colocando un asucursal a New York comisionando a su hermano con fines comerciales y para ponerle un alto a las travesuras de Edison y su piratería.
Como a Lumiere el éxito se escurre de las manos como fango dejándonos una sensación que es necesario limpiar. Malas decisiones y malas historias, mellan su capital, las copias y plagios aunado a una campaña de boicot contra el cinematógrafo gracias a una simple ecuación:
lámpara de éter + negligencias humanas + 200 personas = un roast selecto
Desastres desastres y la primera guerra mundial, otro desastre lapidan la carrera de Melies, pero no los cimientos que filmo logrando romper su único punto de vista al utilizar un travelling en el viaje ala luna al alunizar el cohete en un ojo.
La magia de este brujo ilumino el camino de Griffith y Lumiere lo pavimento.
Esta lectura ofrece dos eslabones continuos en la creación de un lenguaje cinematográfico.
Lumiere nos ofrece en primera instancia una captura una instantánea de la realidad, obreros al concluir la jornada, almuerzos familiares, estaciones de tren; de la cual profundizaré más adelante.
En Lumiere se nota un desarrollo de; escenas circunstanciales, reportajes a la realización de gags, influenciados por las tiras cómicas de los diarios de la época ( narrativa gráfica). Además del inicio de un lenguaje cinematográfico entendido como un alternar de planos. Otro aspecto que desarrolla es el noticiero el fimar el congreso de fotografía y un discurso que al proyectar el ponente presta su voz. Un ensayo del cine hablado.
Lumiere societe incursiona en la edición y montaje de tomas rodadas en distintos lugares siguiendo el orden de los eventos.
La relación con la realidad brinda el éxito a los filmes de Lumiere, un epíteto que justo da al clavo es " maquina para recrear la vida" y por supuesto como el mismo señala recrearse a si mismo.
Con este éxito realiza publicidad de terceros y para si, siendo el cinematógrafo una novedad, su uso era una estrategia publicitaria, operadores en cruces girando su manivela, imagen que remite al hombre de la cámara y sus tropelias.
Ahora en cuanto a sus descubrimientos técnicos abordaremos la toma del ferrocarril que tanto furor causo. Se nos presenta un campo largo en una estación de tren al arribar el tren el plano se convierte en campo medio, se abren las puertas vislumbramos a una mujer en plano americano y transeúntes que cruzan la toma en primer plano esta secuencia de planos lograda con una toma fija, me resulta intrigante saber si fue un accidente o planeado con alevosía y ventaja. Una solución descubierta por un operador llamado Promio (1896) el cual en una balsa intuye " capturar con el cine y su movimiento un objeto inmóvil" (matrix).
Dieciocho meses después de ese 28 de diciembre de 1895, el cinematógrafo entra en crisis la novedad paso. En esta circunstancia aparece Melie tras una cortina de humo, con todo el bagaje del teatro ofrece fantasía y exotismo. Melies aporta ala historia del cine el contar una historia dela cual su columna vertebral era el teatro, es decir filmo obras teatrales en un solo punto de vista. "Organizaba cuadros no secuencias".
Melies veía el teatro como los engranes de un autómata, en el cual un sistema narrativo y técnico da como resultado un espectáculo sorprendente. Es por esto que Melies se convirtió en el prestidigitador del como narrar una historia con diversos trucajes: sobre impresiones, exposiciones múltiples, etc fotografía espiritista.
El éxito de sus filmes llega esplendido colocando un asucursal a New York comisionando a su hermano con fines comerciales y para ponerle un alto a las travesuras de Edison y su piratería.
Como a Lumiere el éxito se escurre de las manos como fango dejándonos una sensación que es necesario limpiar. Malas decisiones y malas historias, mellan su capital, las copias y plagios aunado a una campaña de boicot contra el cinematógrafo gracias a una simple ecuación:
lámpara de éter + negligencias humanas + 200 personas = un roast selecto
Desastres desastres y la primera guerra mundial, otro desastre lapidan la carrera de Melies, pero no los cimientos que filmo logrando romper su único punto de vista al utilizar un travelling en el viaje ala luna al alunizar el cohete en un ojo.
La magia de este brujo ilumino el camino de Griffith y Lumiere lo pavimento.
miércoles, 30 de agosto de 2017
Estreno del cinematógrafo
En esta refleccion se me hace necesario retomar la analogía de la acreción de voluntades, soluciones y descubrimientos que dieron forma al cinematógrafo, idea con la que concluye la lectura.
Como bien sabemos podemos perseguir la historia del cinematógrafo hasta el siglo XIV, con la cámara oscura, otro elemento fundamental es la persistencia retiniana descubrimiento fundado por el abate Nollet (s.XVI), la rueda de Faraday y los aparatos como el praxinoscopio, fenaquitoscopio, etc. Aquí ya tenemos un parte en la presentación de imágenes en movimiento, la otra parte del cinematógrafo de la cual se hermana con el teatro: es la construcción de una historia.
Es necesario viajar a antecedentes del teatro en especifico el teatro de sombras extraído de oriente, al seguir los orígenes del teatro (del arte en general) llegamos al rito este nos ofrece una representación del mito es decir un religar con la realidad en turno.
Esta solución teatral brinda a la acreción del cine un acercamiento casi místico ala reproducción de la realidad.
Un avispado que unió el teatro y las imágenes en movimiento, partiendo de dibujos fue Emile Reynaud (1877) y Uchatius (1845). Uchatius unió la linterna mágica con los discos del fenaquistiscopio de Platou. Después Reynaud con mayor ingenio logra su praxinoscopio, en el cual proyectaba con cristales una dibujo sobre un fondo estático dando un paso mas hacia una iconicidad con el mundo con la relación Fondo-figura.
A finales del siglo XIX la curiosidad y las preguntas del movimiento son alcanzadas por el rifle de Marey que logra doce disparos por segundo, ala par de Muybridge arrazaba convencionalismos, a lo que Marey comenta "lo feo es lo desconocido por que la verdad ofende nuestra mirada cuando la contemplamos por primera vez".
En diciembre 28 de 1895 se presenta el cinematògrafo de Lumiere, con proyecciones de la vida cotidiana francesa.
Su éxito, es el acercamiento con la realidad, alo que Lumiere responde "la obligación del hombre es recrearse a si mismo para mantener la esencia de lo humanidad", esta frase me recuerda a un hombre paleolítico, a la luz del fuego proyectando con pigmento la estampa de su mano en un pared de roca.
Cine: resultado de un acrecer humano de recrearse asi mismo y a su realidad.
"Con las palabras a flor de labios, la muerte cesara de ser absoluta".
Como bien sabemos podemos perseguir la historia del cinematógrafo hasta el siglo XIV, con la cámara oscura, otro elemento fundamental es la persistencia retiniana descubrimiento fundado por el abate Nollet (s.XVI), la rueda de Faraday y los aparatos como el praxinoscopio, fenaquitoscopio, etc. Aquí ya tenemos un parte en la presentación de imágenes en movimiento, la otra parte del cinematógrafo de la cual se hermana con el teatro: es la construcción de una historia.
Es necesario viajar a antecedentes del teatro en especifico el teatro de sombras extraído de oriente, al seguir los orígenes del teatro (del arte en general) llegamos al rito este nos ofrece una representación del mito es decir un religar con la realidad en turno.
Esta solución teatral brinda a la acreción del cine un acercamiento casi místico ala reproducción de la realidad.
Un avispado que unió el teatro y las imágenes en movimiento, partiendo de dibujos fue Emile Reynaud (1877) y Uchatius (1845). Uchatius unió la linterna mágica con los discos del fenaquistiscopio de Platou. Después Reynaud con mayor ingenio logra su praxinoscopio, en el cual proyectaba con cristales una dibujo sobre un fondo estático dando un paso mas hacia una iconicidad con el mundo con la relación Fondo-figura.
A finales del siglo XIX la curiosidad y las preguntas del movimiento son alcanzadas por el rifle de Marey que logra doce disparos por segundo, ala par de Muybridge arrazaba convencionalismos, a lo que Marey comenta "lo feo es lo desconocido por que la verdad ofende nuestra mirada cuando la contemplamos por primera vez".
En diciembre 28 de 1895 se presenta el cinematògrafo de Lumiere, con proyecciones de la vida cotidiana francesa.
Su éxito, es el acercamiento con la realidad, alo que Lumiere responde "la obligación del hombre es recrearse a si mismo para mantener la esencia de lo humanidad", esta frase me recuerda a un hombre paleolítico, a la luz del fuego proyectando con pigmento la estampa de su mano en un pared de roca.
Cine: resultado de un acrecer humano de recrearse asi mismo y a su realidad.
"Con las palabras a flor de labios, la muerte cesara de ser absoluta".
Broken blossoms
En este reporte me intereza examinar la yuxtapocicion de planos para contar una historia.
Este film es un contraste directo de la manera en que ven y piensan el cine Vertov o Pudovkin el cual se resume a "la vida captada de improvisto".
Estos muchachos consideran al cine no solo un problema técnico o de forma semiótica, si no como arte, el cine como consideración del arte el cual debe adquirir una conciencia de la manera humana de accionar en una historia.
El cine de Griffith es digamos con un tono rojillo de gusto burgués, es decir un drama en toda la extensión de la palabra.
En esto su cine o su manera de construirlo es un pilar en la historia del cine, este método de montaje llamado paralelo o ala americana: el alternar de encuadres en la pantalla. el mismo señalaba el montaje como el medio de "hacer reír, llorar y esperar, para controlar en definitiva las reacciones, del publico y programar el éxito del espectáculo.
En esta película ensambla la historia así:
campo largo-lugar
campo medio -personajes y acción
plano americano-sujeto interacción
primer plano, plano medio - gesto
Son estas la tomas con las cuales hila la historia:
unas pagodas en la lejanía campo largo
el interior de un templo campo medio
un monje en plano medio conversando con the yellow man
the yellow man en primerísimo plano
otro ejemplo
campo abierto exterior del hogar del boxeador
campo medio interior con el boxeador y la chica
plano americano el boxeador apunto de golpear ala chica
primer plano la cara del boxeador iracundo
primerísimo plano el rostro de la chica angustiada
plano medio el boxeador golpeando a la chica y camina a la puerta
campo abierto exterior del hogar boxeador se aleja
Otro aspecto involucrado en el lenguaje del montaje el la variación del sentido de los planos es decir el cambio de un plano vertical a uno horizontal o radial, los cuales brindan una tensión única.
Por ejemplo; los primeros planos de las expresiones del yellowman y su toma radial, así podemos ver el gesto de ojos entrecerrados del actor que pretende interpretar a un asiático.
Este film es un contraste directo de la manera en que ven y piensan el cine Vertov o Pudovkin el cual se resume a "la vida captada de improvisto".
Estos muchachos consideran al cine no solo un problema técnico o de forma semiótica, si no como arte, el cine como consideración del arte el cual debe adquirir una conciencia de la manera humana de accionar en una historia.
El cine de Griffith es digamos con un tono rojillo de gusto burgués, es decir un drama en toda la extensión de la palabra.
En esto su cine o su manera de construirlo es un pilar en la historia del cine, este método de montaje llamado paralelo o ala americana: el alternar de encuadres en la pantalla. el mismo señalaba el montaje como el medio de "hacer reír, llorar y esperar, para controlar en definitiva las reacciones, del publico y programar el éxito del espectáculo.
En esta película ensambla la historia así:
campo largo-lugar
campo medio -personajes y acción
plano americano-sujeto interacción
primer plano, plano medio - gesto
Son estas la tomas con las cuales hila la historia:
unas pagodas en la lejanía campo largo
el interior de un templo campo medio
un monje en plano medio conversando con the yellow man
the yellow man en primerísimo plano
otro ejemplo
campo abierto exterior del hogar del boxeador
campo medio interior con el boxeador y la chica
plano americano el boxeador apunto de golpear ala chica
primer plano la cara del boxeador iracundo
primerísimo plano el rostro de la chica angustiada
plano medio el boxeador golpeando a la chica y camina a la puerta
campo abierto exterior del hogar boxeador se aleja
Otro aspecto involucrado en el lenguaje del montaje el la variación del sentido de los planos es decir el cambio de un plano vertical a uno horizontal o radial, los cuales brindan una tensión única.
Por ejemplo; los primeros planos de las expresiones del yellowman y su toma radial, así podemos ver el gesto de ojos entrecerrados del actor que pretende interpretar a un asiático.
jueves, 24 de agosto de 2017
Camarà oscura y camarà lùcida
Ambos inventos son los ancestros de la cámara ambos recrean con ayuda de la óptica nuestra realidad visible.
Ahora sus diferencias particulares son que la cámara lúcida es pequeña funciona con un juego de espejos en la que hay una mirilla es decir una solo punto de vista este aparato patentado en el siglo XIX fue la herramienta principal de muchos retratistas a la hora de captar el modelo tambien para el dibujo arquitectonico una util herramienta de observación ahora es posible hacer una utilizando una tablet lo cual significa que estos inventos siguen nutriendo nuestra inventiva.
La cámara oscura consta de un espacio cerrado y un estenopo por el cual la luz penetre y se proyecte en la parte posterior del espacio siendo esta del tamaño de una sala o de una caja de cartón utilizada para el dibujo y el surgimiento de la fotografía y la cámara cinematográfica.
David Hockney tiene un documental en el que propone la evolución del dibujo de perspectiva y de retrato en el siglo XIII todo gracias a la cámara oscura y la síntesis que ofrece de el mundo tridimensional a un plano ya sea un muro o un lienzo es innegable su influencia en los siglos siguientes y esta calidad fotográfica en las pinturas de todo el continente.
Gracias a estos inventos se pudo detener por unos instantes en nuestra retina una imagen y traducirla fácilmente al dibujo o la pintura facilitando nuestra observación no fue hasta el siglo XVIII que se logró parar esa vista en una placa,
En el siglo XVII estos inventos y la linterna mágica se utilizaba como espectáculo para recrear historias o presentados como magia en este sentido es un ensallo del cine y su atmósfera en la que un grupo de gente se reune a ver luz y a asombrarse, en otras palabras una de las primeras experiencias inmersivas en las que participa un invento producto del avance técnico.
Es de notar el paso de tiempo necesario para la obtención del reflejo de luz en un espejo o superficie bidimensional posteriormente su impresión en una placa y despues el registro del movimiento de esa luz que nos remite a la captura de la realidad, el mostrarnos el mundo tal cual es y la forma en que estos inventos siguen desarrollando nuevas formas de visualización y sus potencias expresivas.
Ahora sus diferencias particulares son que la cámara lúcida es pequeña funciona con un juego de espejos en la que hay una mirilla es decir una solo punto de vista este aparato patentado en el siglo XIX fue la herramienta principal de muchos retratistas a la hora de captar el modelo tambien para el dibujo arquitectonico una util herramienta de observación ahora es posible hacer una utilizando una tablet lo cual significa que estos inventos siguen nutriendo nuestra inventiva.
La cámara oscura consta de un espacio cerrado y un estenopo por el cual la luz penetre y se proyecte en la parte posterior del espacio siendo esta del tamaño de una sala o de una caja de cartón utilizada para el dibujo y el surgimiento de la fotografía y la cámara cinematográfica.
David Hockney tiene un documental en el que propone la evolución del dibujo de perspectiva y de retrato en el siglo XIII todo gracias a la cámara oscura y la síntesis que ofrece de el mundo tridimensional a un plano ya sea un muro o un lienzo es innegable su influencia en los siglos siguientes y esta calidad fotográfica en las pinturas de todo el continente.
Gracias a estos inventos se pudo detener por unos instantes en nuestra retina una imagen y traducirla fácilmente al dibujo o la pintura facilitando nuestra observación no fue hasta el siglo XVIII que se logró parar esa vista en una placa,
En el siglo XVII estos inventos y la linterna mágica se utilizaba como espectáculo para recrear historias o presentados como magia en este sentido es un ensallo del cine y su atmósfera en la que un grupo de gente se reune a ver luz y a asombrarse, en otras palabras una de las primeras experiencias inmersivas en las que participa un invento producto del avance técnico.
Es de notar el paso de tiempo necesario para la obtención del reflejo de luz en un espejo o superficie bidimensional posteriormente su impresión en una placa y despues el registro del movimiento de esa luz que nos remite a la captura de la realidad, el mostrarnos el mundo tal cual es y la forma en que estos inventos siguen desarrollando nuevas formas de visualización y sus potencias expresivas.
Metropolis
Una guerra se avecina, la revolución técnica no solo nos trajo nuevas ideas, mejores maquinas, tambien trastorno algunas mentes que empezaron a jerarquizar estas; mejores ideas mejores máquinas, mejor color, mejores personas.
El edén de la evolución técnica mostraba al descubierto una olla en europa a punto de reventar al calor de las ideas.
En este caso el filme es un oráculo, y Maria (robot) su virgen vestal, anuncia parafraseando al führer: el destino del hombre es la guerra.
Al abordar técnicamente el filme sobresale la manera teatral de abordar el plano cinematográfico contar un historia premeditando cada escena gesto y diálogo (antípoda de el hombre de la cámara).
En metropolis las imágenes se apoyan en un guión que también aparece en forma de viñetas característica del cine mudo, a la par de la musicalización instrumental que brinda una mayor inmersión a las emociones de la película, en este caso podemos llamar al cine con su epíteto de "lenguaje total" en el que varias disciplinas se conjuntan para transmitir una lectura en específico dicho de otra manera un bombazo mediático. Así el cine pasó a ser una herramienta más del poder y sus fechorías, volviendo a la película me parece brillante el entramado de tomás es increíblemente preciso a la hora de contarnos la historia, las viñetas solo aparecen cuando deben hacerlo reforzando los acontecimientos, la escenografía es de gran calidad y hace uso de maquetas y de imágenes fijas de fondo que me recuerdan a Reynolds.
Ahora un puente en común con el hombre de la cámara es esa industrialización y la metáfora ya muy cercana de hierro a carne del hombre-maquina con esta idea que rondaba en esa época con gran fuerza. Fritz Kahn El hombre un palacio industrial. de 1926 es una ilustración que muestra esta idea representando la fisiología del cuerpo con maquinas destaco la representación de los ojos un par de cámaras fotográficas.
Otro elemento digno de mencionar es la aparición de Moloch un elemento mágico a la hora de la ignominiosa explotación. Estas alegorías entre hombre, maquina y demonio son las características que el humano debe mediar hacia la mejor opción entre miles de muertos o una relación de comunidad en este sentido el cinematografo dispara mensajes ecumenicos con los cuales Fritz Lang acuñaba con todo sentido de razón, en 1932 Joseph Goebbels le encarga ser director de la UFA argumentando que su madre es de ascendencia judía y que no podía aceptarlo, a lo que Goebbels responde "Nosotros decidimos quién es ario y quién no" en ese año sale de alemania dejando a la que era su compañera y guionista Thea Von Harbou partidaria de las ideas nazis.
En fin al hablar del cinematógrafo es difícil dejar de lado el rubro político ya que el cinematógrafo como arma puede ser como el monstruo debajo de la cama.
El edén de la evolución técnica mostraba al descubierto una olla en europa a punto de reventar al calor de las ideas.
En este caso el filme es un oráculo, y Maria (robot) su virgen vestal, anuncia parafraseando al führer: el destino del hombre es la guerra.
Al abordar técnicamente el filme sobresale la manera teatral de abordar el plano cinematográfico contar un historia premeditando cada escena gesto y diálogo (antípoda de el hombre de la cámara).
En metropolis las imágenes se apoyan en un guión que también aparece en forma de viñetas característica del cine mudo, a la par de la musicalización instrumental que brinda una mayor inmersión a las emociones de la película, en este caso podemos llamar al cine con su epíteto de "lenguaje total" en el que varias disciplinas se conjuntan para transmitir una lectura en específico dicho de otra manera un bombazo mediático. Así el cine pasó a ser una herramienta más del poder y sus fechorías, volviendo a la película me parece brillante el entramado de tomás es increíblemente preciso a la hora de contarnos la historia, las viñetas solo aparecen cuando deben hacerlo reforzando los acontecimientos, la escenografía es de gran calidad y hace uso de maquetas y de imágenes fijas de fondo que me recuerdan a Reynolds.
Ahora un puente en común con el hombre de la cámara es esa industrialización y la metáfora ya muy cercana de hierro a carne del hombre-maquina con esta idea que rondaba en esa época con gran fuerza. Fritz Kahn El hombre un palacio industrial. de 1926 es una ilustración que muestra esta idea representando la fisiología del cuerpo con maquinas destaco la representación de los ojos un par de cámaras fotográficas.
Otro elemento digno de mencionar es la aparición de Moloch un elemento mágico a la hora de la ignominiosa explotación. Estas alegorías entre hombre, maquina y demonio son las características que el humano debe mediar hacia la mejor opción entre miles de muertos o una relación de comunidad en este sentido el cinematografo dispara mensajes ecumenicos con los cuales Fritz Lang acuñaba con todo sentido de razón, en 1932 Joseph Goebbels le encarga ser director de la UFA argumentando que su madre es de ascendencia judía y que no podía aceptarlo, a lo que Goebbels responde "Nosotros decidimos quién es ario y quién no" en ese año sale de alemania dejando a la que era su compañera y guionista Thea Von Harbou partidaria de las ideas nazis.
En fin al hablar del cinematógrafo es difícil dejar de lado el rubro político ya que el cinematógrafo como arma puede ser como el monstruo debajo de la cama.
miércoles, 23 de agosto de 2017
El hombre de la camara
Este filme nos muestra el bagaje pulido con el desarrollo del lenguaje de las imágenes en movimiento y como es posible la emisión clara de un sentido ya sea con una narrativa lineal o como en este caso una especie de múltiples derivas en torno a la cámara y el camarógrafo.
Para dar un ejemplo al comienzo de cada escena nos presenta una toma abierta en la que nos ofrece un lugar, después una serie o un solo personaje al cerrar la toma percibimos al sujeto en una actividad, aquí nos presenta un verbo acompañado de alegorías al oficio de un camarógrafo y la cámara como extensión del hombre así ruedan los engranes del filme.
Un niño que nace, una idea que sale, una mujer hace una llamada, un emisor, alguien que contesta,y una interfaz de routers humanas vinculando al primero con el segundo.
Engranes y revoluciones imágenes que se vinculan como dientes del engranaje, una constante el ritmo y su poética un bordado fino, limpio y claro, una bellísima perspectiva del cine como una rama del quehacer humano un nuevo ojo, una nueva mano que nos permite pausar, romper el tiempo o mostrarnos sus misterios.
Es también una exploración de sus potencialidades del interior y exterior de la cámara y del frente y atrás. Una escena que me interesó mucho ue la del hombre herido que es atendido por una ambulancia nos lleva de la mano a espectar una historia:
una mujer levanta el teléfono
se recibe la llamada
una ambulancia se desplaza a toda velocidad
Un hombre yace en el suelo
es atendido por medicos
y transportado en la ambulancia
imágenes que narran sin necesidad de un dialogo una secuencia bien pensada una maravilla.
algo que no te es la imagen de intrépido y aventurero que tilda el filme del camarógrafo y una escena de mujeres peinándose que no me brinco cono en la escena de que viva mexico que es bastante irreal en este filme es mas natural hay algo ahi. Me gusto el filme es en si una clase de imágenes en movimiento y sus posibilidades de una cámara fija en este caso nos muestra como un bordado fino de imágenes hace una buena historia.
Para dar un ejemplo al comienzo de cada escena nos presenta una toma abierta en la que nos ofrece un lugar, después una serie o un solo personaje al cerrar la toma percibimos al sujeto en una actividad, aquí nos presenta un verbo acompañado de alegorías al oficio de un camarógrafo y la cámara como extensión del hombre así ruedan los engranes del filme.
Un niño que nace, una idea que sale, una mujer hace una llamada, un emisor, alguien que contesta,y una interfaz de routers humanas vinculando al primero con el segundo.
Engranes y revoluciones imágenes que se vinculan como dientes del engranaje, una constante el ritmo y su poética un bordado fino, limpio y claro, una bellísima perspectiva del cine como una rama del quehacer humano un nuevo ojo, una nueva mano que nos permite pausar, romper el tiempo o mostrarnos sus misterios.
Es también una exploración de sus potencialidades del interior y exterior de la cámara y del frente y atrás. Una escena que me interesó mucho ue la del hombre herido que es atendido por una ambulancia nos lleva de la mano a espectar una historia:
una mujer levanta el teléfono
se recibe la llamada
una ambulancia se desplaza a toda velocidad
Un hombre yace en el suelo
es atendido por medicos
y transportado en la ambulancia
imágenes que narran sin necesidad de un dialogo una secuencia bien pensada una maravilla.
algo que no te es la imagen de intrépido y aventurero que tilda el filme del camarógrafo y una escena de mujeres peinándose que no me brinco cono en la escena de que viva mexico que es bastante irreal en este filme es mas natural hay algo ahi. Me gusto el filme es en si una clase de imágenes en movimiento y sus posibilidades de una cámara fija en este caso nos muestra como un bordado fino de imágenes hace una buena historia.
La influencia del cinematógrafo y sus variaciones.
A principios del siglo XX la invención del cinematógrafo abria un puente entre el movimiento y su representación, a su ves esta época abriâ la posibilidad de una vida a gran velocidad.
Esta exploración del movimiento no solo influencio el estilo de vida sino como esta puede ser puesta en perpectiva, surgen movimientos cuya ideologia van de la mano con el cinematografo y las ideas que circundan el tiempo, asi el constructivismo; el arte para todos, el futurismo; la estetica de la velocidad y el dada: registrando sus acciones antiarte.
A continuacion nombrare algunos artistas influenciados por este invento y tambien por los estudios el movimiento de Muybridge y Marey llevados a la escultura y pintura:
Raymond Duchamp-Villon de este artista cabe destacar la escultura en la cual el caballo con su hibridacion de maquina parece una locomotora a todo galope, y los jugadores de football destacan por su dinamismo estático presente en las cronografias de Marey.
Laszlo Moholy-Nagy ampliamente reconocido por sus fotografias y fotogramas tambien se interezo en la escultura cinetica en especifico me refiero a su modulador de luz-espacio con la cual ocupa la imagen en movimiento para captarlas variaciones de luz que emite su ensamble de metal cristal y plastico.
Giacomo Balla en este caso el estudio del movimiento es abordado desde la pintura con la técnica de puntillismo Balla logra un gran dinamismo en el plano pictórico por mencionar alguno niña corriendo es de sus mejores puntos.
Umberto Boccioni otro futurista del cual vale mucho la pena indagar sobretodo por un par de piezas que me gustaría mencionar apasionado de la velocidad al igual que Balla se nota la influencia de Marey en sus estudios de movimiento es este caso Boccioni lo lleva ala escultura con formas unicas de continuidad en el espacio trabajo que nos deja fascinados por su volumetría y movimiento un hombre de bronce corriendo a gran velocidad.otra obra que me gusta en este caso una pintura es dinamismo de un ciclista potente colorido y rápida pincelada, por cierto Boccioni a gran velocidad al motar un caballo concluye su obra con una caída mortal.
Ahora me gustaria incluir el trabajo de Antony Mccall sus instalaciones de luz solida me sorprendieron en una galería del muac hace unos años, filme que dibuja un circulo y el humo liberado hace ver el as de luz y su dibujo en movimiento realmente maravilloso todo a oscuras solo es visible y audible el trabajo del cinematografo corriendo el filme un circulo y la cinta dando vueltas.
Esta exploración del movimiento no solo influencio el estilo de vida sino como esta puede ser puesta en perpectiva, surgen movimientos cuya ideologia van de la mano con el cinematografo y las ideas que circundan el tiempo, asi el constructivismo; el arte para todos, el futurismo; la estetica de la velocidad y el dada: registrando sus acciones antiarte.
A continuacion nombrare algunos artistas influenciados por este invento y tambien por los estudios el movimiento de Muybridge y Marey llevados a la escultura y pintura:
Raymond Duchamp-Villon de este artista cabe destacar la escultura en la cual el caballo con su hibridacion de maquina parece una locomotora a todo galope, y los jugadores de football destacan por su dinamismo estático presente en las cronografias de Marey.
Laszlo Moholy-Nagy ampliamente reconocido por sus fotografias y fotogramas tambien se interezo en la escultura cinetica en especifico me refiero a su modulador de luz-espacio con la cual ocupa la imagen en movimiento para captarlas variaciones de luz que emite su ensamble de metal cristal y plastico.
Giacomo Balla en este caso el estudio del movimiento es abordado desde la pintura con la técnica de puntillismo Balla logra un gran dinamismo en el plano pictórico por mencionar alguno niña corriendo es de sus mejores puntos.
Umberto Boccioni otro futurista del cual vale mucho la pena indagar sobretodo por un par de piezas que me gustaría mencionar apasionado de la velocidad al igual que Balla se nota la influencia de Marey en sus estudios de movimiento es este caso Boccioni lo lleva ala escultura con formas unicas de continuidad en el espacio trabajo que nos deja fascinados por su volumetría y movimiento un hombre de bronce corriendo a gran velocidad.otra obra que me gusta en este caso una pintura es dinamismo de un ciclista potente colorido y rápida pincelada, por cierto Boccioni a gran velocidad al motar un caballo concluye su obra con una caída mortal.
Ahora me gustaria incluir el trabajo de Antony Mccall sus instalaciones de luz solida me sorprendieron en una galería del muac hace unos años, filme que dibuja un circulo y el humo liberado hace ver el as de luz y su dibujo en movimiento realmente maravilloso todo a oscuras solo es visible y audible el trabajo del cinematografo corriendo el filme un circulo y la cinta dando vueltas.
jueves, 17 de agosto de 2017
La historia mundial del cine cap I
El texto nos muestra como la invención del cine no fue un evento aislado en un tiempo. Ahora y con algunos cientos de diciembres de aquel 1895. Nos es fácil datar este aparatejo a una fecha especifica por fortuna el indagar la historia siempre hace las cosas mas interesantes.
Como todo acontecimiento o en este caso invento toma el centro como una estrella en formación y la materia que lo rodea va agregando masa a su volumen, en este caso el primer reactivo de esta estrella que nace fue la invención de la camera oscura, la cámara lucida, la cual dio sus primeros frutos durante el renacimiento tres siglos después se inventaba la fotografía con estos descubrimientos ya estaba listo el cuerpo de nuestro cuerpo estelar, relatandonos el periodo de incubación que tubo que transcurrir para ser loable una imagen en movimiento.
Las siguientes aportaciones que aportaron a la acreción del cine fueron los estudios del movimiento la rueda de faraday zootropo y taumatropo, el perfeccionamiento y eficiencia de la fotografía (en tiempo y calidad de imagen).
Algunos planetas que rondaban cerca de nuestro cinematógrafo eran el teatro y el sonido que orbitan muy cerca y que su fuerza los atrajo gradualmente en primera instancia el teatro acogió la luz del cinematógrafo por su eficiencia y practicidad a la ora de brindar un espectaculo, tambien Reynolds aporto mucha luz a la estructura de las imágenes en movimiento trabajo como vidente estructurando como seria la animación en un futuro no muy lejano, cánones que se siguen usando. también le toco el turno al sonido de acompañar a la luz, anteriormente mudo el cine era instrumentado en vivo y despues con los cilindros magnéticos acompasados a la hora de la función, este satélite fue asimilado por edison al incluir en su negativo de 35 mm un banda magnética con la cual nuestra estrella esta totalmente acrecida solo faltarian unos toques del capitalismo fordiano y listo el cinematógrafo moderno esta listo,claro sigue y seguirá acreciendo pero esa es otra historia.
Como todo acontecimiento o en este caso invento toma el centro como una estrella en formación y la materia que lo rodea va agregando masa a su volumen, en este caso el primer reactivo de esta estrella que nace fue la invención de la camera oscura, la cámara lucida, la cual dio sus primeros frutos durante el renacimiento tres siglos después se inventaba la fotografía con estos descubrimientos ya estaba listo el cuerpo de nuestro cuerpo estelar, relatandonos el periodo de incubación que tubo que transcurrir para ser loable una imagen en movimiento.
Las siguientes aportaciones que aportaron a la acreción del cine fueron los estudios del movimiento la rueda de faraday zootropo y taumatropo, el perfeccionamiento y eficiencia de la fotografía (en tiempo y calidad de imagen).
Algunos planetas que rondaban cerca de nuestro cinematógrafo eran el teatro y el sonido que orbitan muy cerca y que su fuerza los atrajo gradualmente en primera instancia el teatro acogió la luz del cinematógrafo por su eficiencia y practicidad a la ora de brindar un espectaculo, tambien Reynolds aporto mucha luz a la estructura de las imágenes en movimiento trabajo como vidente estructurando como seria la animación en un futuro no muy lejano, cánones que se siguen usando. también le toco el turno al sonido de acompañar a la luz, anteriormente mudo el cine era instrumentado en vivo y despues con los cilindros magnéticos acompasados a la hora de la función, este satélite fue asimilado por edison al incluir en su negativo de 35 mm un banda magnética con la cual nuestra estrella esta totalmente acrecida solo faltarian unos toques del capitalismo fordiano y listo el cinematógrafo moderno esta listo,claro sigue y seguirá acreciendo pero esa es otra historia.
miércoles, 16 de agosto de 2017
¡que viva Mexico¡
Trabajo mas alegórico que documental, esto porque la realidad sucede muy distinto en el plano, este híbrido entre trabajo documental y ficción revela los polos de un país desencajado que lucha entre sus maravillas y crueldades.
El filme comienza con fotografías fijas que narran el proceso de la película haciendo paneos dentro de las mismas, al iniciar el trabajo filmico cabe destacar los encuadres de perfil un tanto forzados, pero manteniendo una narrativa consecuente con la voz en off. Este ritmo se mantiene con esta constante: verbo, sujeto, complemento. La estructura nos ubica en un espacio, presenta una acción, presenta a los personajes y sus desenlaces.
Esta manera de componer el plano, resuelve muchos problemas ala hora de organizar el sentido de la trama ademas de que aprovecha totalmente la superficie brindandonos una estetica (a mi consideración no muy mexicana), por enunciar alguna escena la manera en que las muchachas tehuanas se cepillan el cabello el que viaja por esos lares sabe muy bien que las mujeres se cepillan una sola ves por la mañana y no vuelven a tocar un peine en todo el dia. Otro aspecto digno de mencionar es la influencia de los muralistas en especial de Diego que influenciado por el pensamiento Vasconcelista, ensalza con todo el jugo de la Mexicanidad (de manera muy arbitraria) la zona de Tehuantepec y sus atractivas jovenes Tehuanas (pintadas al fresco en el palacio de educacion).
En general el filme es muy llevadero, ademas de que no solo es una sola historia sino una en otras y no se sabe bien abien cual incluye a la otra, muy bien tejidas.
El filme comienza con fotografías fijas que narran el proceso de la película haciendo paneos dentro de las mismas, al iniciar el trabajo filmico cabe destacar los encuadres de perfil un tanto forzados, pero manteniendo una narrativa consecuente con la voz en off. Este ritmo se mantiene con esta constante: verbo, sujeto, complemento. La estructura nos ubica en un espacio, presenta una acción, presenta a los personajes y sus desenlaces.
Esta manera de componer el plano, resuelve muchos problemas ala hora de organizar el sentido de la trama ademas de que aprovecha totalmente la superficie brindandonos una estetica (a mi consideración no muy mexicana), por enunciar alguna escena la manera en que las muchachas tehuanas se cepillan el cabello el que viaja por esos lares sabe muy bien que las mujeres se cepillan una sola ves por la mañana y no vuelven a tocar un peine en todo el dia. Otro aspecto digno de mencionar es la influencia de los muralistas en especial de Diego que influenciado por el pensamiento Vasconcelista, ensalza con todo el jugo de la Mexicanidad (de manera muy arbitraria) la zona de Tehuantepec y sus atractivas jovenes Tehuanas (pintadas al fresco en el palacio de educacion).
En general el filme es muy llevadero, ademas de que no solo es una sola historia sino una en otras y no se sabe bien abien cual incluye a la otra, muy bien tejidas.
lunes, 14 de agosto de 2017
Equipo, espectativas
Camara fotográfica canon rebel t6 lente 18-55
Tripie
Sin ordenador de edicion.
Expectativas
Acercar de una manera mas intima las posibilidades de la imagen en movimiento a mis necesidades expresivas, así como un entendimiento de estas como herramienta de registro y como medio artístico en si.
Tripie
Sin ordenador de edicion.
Expectativas
Acercar de una manera mas intima las posibilidades de la imagen en movimiento a mis necesidades expresivas, así como un entendimiento de estas como herramienta de registro y como medio artístico en si.
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